Jude Law dans Repo Men
© PHOTO: Universal Pictures

Ne vous y trompez pas, Repo Men est une comédie. Gore certes, mais une comédie quand même. Jude Law y incarne le personnage de Remy, employé de The Union, une compagnie menée par Frank (Liev Schreiber), patron puant de capitalisme. The Union vend des organes de remplacement, usinés en série et remarquablement résistants. Mais ils ont un prix, prohibitifs.

Les clients appâtés – généralement sur le lit de mort ou peu s’en faut – n’ont malheureusement pas toujours les moyens d’honorer leurs mensualités de paiement. C’est là qu’interviennent les Repo Men, contraction de Repossession Men (hommes de reprise de possession). C’est à ce titre que Remy et son copain d’enfance Jake (Forest Whitaker) opèrent, souvent en duo. Mais les choses se gâtent quand Remy a un accident de travail et qu’il se fait implanter un cœur artificiel… qu’il n’a pas les moyens de payer.

Entièrement tourné à Toronto, Repo Men est l’adaptation du roman The Repossession Mambo, oeuvre d’Eric Garcia. Le scénario du film, coécrit par Garrett Lerner comprend, comme l’explique ce dernier «des éléments d’humour noir comparables à Pulp Fiction et à Fight Club.»

Les plus sévères trouveront que Les repreneurs est long, prévisible (sauf pour la fin que j’ai trouvé bien pensée), mal joué et qu’il ne mène nulle part. J’ai, pour ma part, été séduite par l’humour, le mélange de gore et d’action et le fait que personne ne se prend trop au sérieux. Repo Men n’est certes pas un grand film, il n’en n’a d’ailleurs pas la prétention, mais ceux qui veulent s’amuser sans se poser de questions existentielles y trouveront leur compte.

Cote: ★★★★★½☆☆☆☆ 

Jennifer Aniston et Gerard Butler dans The Bounty Hunter
© PHOTO: Universal Pictures

L’art de la comédie romantique n’est, contrairement aux apparences, pas facile à maîtriser. La scénariste Sarah Thorp (qui nous avait livré l’imbuvable Twisted en 2004) nous prouve ici, au-delà de tout doute, qu’elle n’est pas non plus douée pour ce genre de longs métrages.

L’histoire de The Bounty Hunter n’est pas ce qu’il y a de plus original: Milo (Gerard Butler) est un chasseur de primes. Son ex femme, Nicole (Jennifer Aniston) est une journaliste d’investigation, arrêtée pour avoir embouti une voiture de police et libérée sous caution. Quand elle manque de se présenter en cour (à cause de son enquête), sa caution est révoquée. D’où l’entrée en scène du fameux Milo, qui se trouve être aussi, par un concours de circonstances peu commun, son ex époux. Il rattrape donc la belle, et le film suit donc leurs pérégrinations plus ou moins drôles, ainsi que l’enquête que poursuit la reporter, même menottée.

On passe donc on ne peut plus rapidement sur les gags et courses poursuites dont certaines ne manquent pas de sel, Nicole étant également pourchassée par un collègue qui croit dur comme fer qu’elle est amoureuse de lui. Si on sent que Jennifer Aniston et Gerard Butler s’amusent comme des petits fous, la recette ne prend pas. On ne croit ni aux ficelles – trop grosses -, ni à l’histoire d’amour – les acteurs ont l’air de bons copains, pas d’anciens mariés regrettant toujours amèrement leur divorce -.

Gerard Butler ne manque pas de charme et ses précédentes comédies romantiques étaient plutôt agréables (The Ugly Truth avec Katherine Heigl ou Nim’s Island avec Jodie Foster). Dans The Bounty Hunter, ses efforts tombent à plat. Le scénario en est partiellement responsable, la présence de Jennifer Aniston étant l’autre raison. L’actrice était amusante dans Friends et très bonne dans Marley and Me. Mais il faut se rappeler de sa prestation – ou absence de – dans Love Happens aux côtés de Aaron Eckhart.

En bref, The Bounty Hunter n’est pas à proprement parler un navet. Il y a pire (Où sont passés les Morgan? s’impose rapidement). Mais ce n’est pas un film à aller voir en salle, on se contente amplement d’une location en DVD.

Cote: ★★★★☆☆☆☆☆☆ 

Kristen Stewart et Dakota Fanning dans The Runaways
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Remontons dans le temps, au milieu des années 1970. Dans l’univers de la musique rock, la presque totalité des groupes sont composés de gars. À peu près la seule exception est la rockeuse Suzi Quatro, américaine d’origine, mais qui avait déménagé au Royaume-Uni en 1971, qui réussissait une percée en Europe. Elle a d’ailleurs été une inspiration pour Joan Jett, tout comme Keith Richards.

Pour en revenir à The Runaways (notre dossier de photos et de vidéos), Joan Jett (Kristen Stewart) est une ado qui gratte la guitare et rêve d’être rockeuse. Cherie Currie (Dakota Fanning) est une autre ado, étudiante, fan de Bowie au point d’adopter son look et d’interpréter une de ses pièces en lipsynch à un spectacle de son école. Vivant dans une famille dysfonctionnelle – père absent et mère qui part pour l’Indonésie pour suivre son amoureux – où son seul lien véritable est sa soeur, Marie.

Dès le début du film, on sent la différence de tempéraments entre Jett et Currie, la première s’avérant plus fonceuse, déterminée à s’en sortir, tandis que la seconde donne plus l’impression de rêver de s’en sortir. Cette perception est renforcée lorsque leur chemin croise celui de Kim Fowley (Michael Shannon), imprésario, producteur, fêtard, frimeur visionnaire. Il ne lui faut pas longtemps pour réaliser qu’un groupe de filles pourra changer la face du rock. Il comprend intuitivement qu’en misant avant tout sur la sexualité des filles, il les fera percer dans un univers de mâles.

La réalisatrice réussit fort bien à recréer l’atmosphère de l’époque, même si – cote de visionnement oblige – elle dilue et minimise certains éléments de l’histoire. On sait que l’on peut faire passer les filles qui sniffent de la coke, boivent, s’embrassent, mais on ne peut pas aller beaucoup plus loin si l’on espère une grande diffusion. Cela a pour effet de minimiser toute la manipulation sexuelle qui entourait les Runaways. Fowley vendait l’image hypersexualisée d’un groupe de jeunes filles à peine pubères. Guitares, basses et micros devenait autant de symboles phalliques dans les mains de ces filles. Vous pouvez imaginer la réaction du public masculin…

Au fil du film, on a l’impression que si Joan Jett compose relativement bien avec tout ce qu’il y a de sexe et de drogues autour d’elle, consommant par choix plutôt que par besoin, Cherie, elle, se retrouve à s’en servir pour s’évader de ce quotidien qui, somme toute, est différent mais pas mieux que ce qu’elle vivait avant. On a constamment l’impression qu’elle est plus fleur bleue que rockeuse, plus en mal de véritable amour plutôt qu’en mal de succès et d’attention.

Au coeur de ces émotions, trois brillantes prestations d’acteurs. Kristen Stewart devient Joan Jett, tout simplement. Moi qui craignait rester coincé avec son personnage de Twilight, j’ai eu le plaisir de découvrir une actrice qui, à l’instar de Pattinson dans Remember Me, démontre un talent qui devrait la mener loin une fois que la saga vampirique tirera sa révérence. Dakota Fanning est toute aussi époustouflante, avec une prestation toute en nuances. Chaque nouveau film qu’elle nous livre nous dévoile un peu plus de son immense talent. Ma plus grande surprise a sans doute été Michael Shannon. Il EST Kim Fowley: excessif, outrancier, brillant. Il a une physionomie qui lui permet d’incarner des personnages plus grands que nature, et il le fait à merveille.

Côté image, le style de Floria Sigismondi est intéressant, même si parfois il est trop prévisible, pour ne pas dire éculé. Est-il vraiment besoin de plans déjantés et de flous ‘artistiques’ pour nous faire saisir le niveau d’intoxication des protagonistes? Autant elle arrive à saisir faire passer assez subtilement des éléments plus émotifs des personnages, autant elle fait parfois dans la facilité et tombe à plat à d’autres moments, un peu comme si elle n’était pas certaine si elle voulait faire un film hard, psychologique ou artistique.

Même si le film ne s’étend pas assez à mon goût sur des éléments importants de la carrière des Runaways – il était quand même impressionnant de savoir qu’à l’époque elles avaient fait la première partie des spectacles de groupes tels que Cheap Trick, Tom Petty and The Heartbreakers, The Ramones et Van Halen – il s’agit d’un film à voir. Pour les plus vieux, ce sera l’occasion de se remémorer une époque et de réentendre une musique qui a fait fureur. D’ailleurs, il faut saluer les prestations vocales de Stewart et Fanning qui interprètent avec brio les succès du groupe. Mais, tout aussi important, pour les plus jeunes, c’est l’occasion de découvrir un groupe qui a marqué l’histoire du rock. The Runaways a ouvert la porte aux rockeuses et chanteuses pop qui ont suivi. On peut penser ici aux Bangles (d’ailleurs Mikki Steele, qui a fait partie des Runaways à leurs débuts, était membre des Bangles), aux Go-Gos et même aux Plastiscines.

Cote: ★★★★★★½☆☆☆ 

Le synopsis officiel de Lucidité passagère nous le résume comme suit: «Véronique ne cache rien en amour. Mathieu est simplement un brin fatigué. Fred peut s’adapter à tous les genres de femmes. Rémi doit trouver ce qui l’allume dans la vie. Ce n’est que dans de brefs instants de lucidité que l’on parvient à voir le monde tel qu’il est.

Des histoires naissent en parallèle: des gens «normaux» qui vivent une existence ordinaire. Des couples se forment, d’autres se disloquent, des amis se confrontent… Puis, des croisements surviennent, les quêtes s’opposent, les secrets se révèlent. Les petits drames de la vie contemporaine côtoient les grands. Et il y a l’art pour sublimer tout ça.

Ping‐pong relationnel voyageant du comique au tragique sur un ton toujours réaliste, ce film choral, adapté d’une pièce de théâtre, est une incursion dans l’intimité de jeunes adultes urbains qui pataugent dans l’incertitude à un moment charnière de leur existence. Tôt ou tard, ce que l’on fuit nous rattrape. La réalité frappe alors comme un coup de poing sur la gueule. Pourquoi faut‐il attendre la crise pour vivre pleinement?»

Toujours à partir du dossier de presse, voici ce que l’on nous dit des réalisateurs: «Lucidité passagère est mis en scène par quatre jeunes réalisateurs pour qui il s’agit d’une première incursion dans le long métrage. Chacun a dirigé une des trames narratives qui éventuellement s’entrecroisent. Cependant, il ne s’agit pas d’un film à sketches, le quatuor ayant supervisé de concert l’ensemble des étapes de fabrication, depuis l’écriture jusqu’à la finition. Ils signent ici un premier film organique de facture soignée et à la mise en scène inspirée.

Par le passé, Nicolas Bolduc, Fabrice Barrilliet, Julien Knafo et Marie Hélène Panisset ont travaillé ensemble sur des messages publicitaires, des vidéoclips ainsi que sur des projets de fiction, s’échangeant les postes artistiques clés dans une sorte de jeu de chaise musicale. Surtout, ils ont collaboré sur des courts métrages autoproduits et réalisés chaque fois par l’un d’entre eux, qui se sont illustrés dans des festivals à travers le monde. Avec ce premier long métrage, c’est la première fois cependant qu’ils partagent réellement le fauteuil du réalisateur.»

On pourrait penser, en voyant qu’il y a quatre réalisateurs, qu’il s’agit d’un film a sketches, du genre de If These Walls Could Talk ou encore Cosmos. Pourtant, il n’en est rien. Lucidité passagère a tout d’abord vu le jour sous forme d’une pièce de théâtre écrite par Martin Thibaudeau et George Spiridakis. Si la pièce est le point d’origine du film, il ne s’agit pas d’une simple transposition au grand écran. Il y a eu un important travail de réécriture, question justement d’avoir un scénario cinématographique plutôt que de nous servir quelque chose équivalant à une pièce filmée.

Lucidité passagère arrive sur les écrans du Québec, en diffusion limitée à 12 salles, à compter du 19 mars prochain. À Montréal, on pourra le voir au Cinéma Beaubien (2396, rue Beaubien Est). Reste à souhaiter que les grandes chaînes de cinémas embarquent et décident de le projeter: il en vaut vraiment la peine.

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Matt Damon dans Green Zone
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Green Zone, ou La zone verte (notre dossier de photos et de vidéos) au Québec, sort dans les salles nord-américaines le 12 mars. Attendu avec impatience par les fans de la franchise Jason Bourne qui ont ici une dernière occasion de voir le tandem Paul Greengrass et Matt Damon, ce mélange de thriller et film d’action n’est, malheureusement pas à la hauteur des attentes.

Le synopsis est fort simple (simpliste?): les États-Unis ont envahi l’Irak sous de faux prétextes, le pays de Saddam Hussein ne possédait pas d’armes de destruction massive. Ça, on le savait (il n’y a guère que les américains pour ne pas en être, à ce jour, encore totalement convaincus). On voit donc la CIA et le gouvernement comploter, la première pour prouver que les ADM n’existent pas et le deuxième pour fabriquer des preuves de leur fabrication.

Or, un thriller ne fonctionne que si on y apprend quelque chose, que si, au moins une fois, on a une exclamation de surprise (que l’histoire soit basée sur des faits réels ou pas). Alors que Ridley Scott nous montrait les ramifications des opérations terroristes dans Body of Lies, Paul Greengrass se contente de rabâcher des faits archi-connus.

Du coup, le fait que Roy Miller (Matt Damon) se retrouve à chercher, sans succès, des ADM ne nous surprend pas. Pas plus qu’on est étonné de voir les militaires américains arrêter et torturer des irakiens, soupçonnés d’être d’anciens fidèles de Saddam Hussein. Nous ne sommes pas plus surpris de voir que les médias ont été manipulés par le gouvernement, qui s’est servi de journalistes pour mener sa campagne de désinformation. Bref, en presque deux heures, on assiste passivement à une course-poursuite dont le dénouement nous laisse de glace.

Mais Green Zone n’est pas exempt de bons points. Les répliques cinglantes et cyniques à souhait abondent (j’ai, notamment, adoré la phrase «Democracy is messy» qu’on pourrait traduire par «La démocratie, ce n’est pas propre»). On y sent aussi, de la part du réalisateur britannique la même volonté que dans United 93, celle de tenter de comprendre les raisons derrière un événement qui a changé la face du monde moderne.

Sans doute pour ne pas s’aliéner son public, Paul Greengrass ne pousse pas assez son argumentaire. Seul Oliver Stone a eu le courage de s’attaquer aux causes réelles de l’invasion de l’Irak dans son remarquable W. et un coup d’œil sur les revenus du film (26 millions de dollars pour un budget de 25 millions) suffit pour comprendre pourquoi il ne faut pas prendre les cinéphiles à rebrousse-poil.

Certes, on a droit à des images qui préfigurent ce que nous verrons dans les années suivantes (l’action de Green Zone se déroule en 2003) à Guatanamo ou à Abu Ghraib. Oui, le film se termine bien sur des images d’une raffinerie, nous laissant ainsi deviner les véritables motifs de cette invasion. Oui, on obtient quelques scènes qui montrent que le gouvernement américain se moque éperdument de l’avenir politique de l’Irak, qu’il préfère mettre en place un dirigeant fantoche que d’assurer un partage du pouvoir entre Chiites, Sunnis et Kurdes. Mais rien de nouveau sous le soleil.

De fait, le «suspens» de ce «thriller» et film d’action ne repose que sur des recettes. Les caméras à l’épaule utilisées pendant la majeure partie du film finissent par donner mal au cœur et par nous faire perdre la moitié de ce qui se passe à l’écran. La musique, les explosions et les scènes de nuit créent une fausse impression de danger qui fonctionne pendant quelques minutes tout au plus. Quant à l’enquête du personnage de Matt Damon, on sait, d’avance son résultat et on est parfaitement conscient qu’elle ne changera rien du tout.

Cote: ★★★★★★☆☆☆☆ 

Robert Pattinson et Emilie de Ravin Remember Me
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Remember Me (notre dossier – les photos de la première) sort dans les salles de cinéma du Québec sous le titre La rage de vivre. Au générique: Robert Pattinson, Emilie de Ravin, Pierce Brosnan, Chris Cooper et la jeune Ruby Jerins. Autant le dire immédiatement, Remember Me (titre traduit en France par Souviens-toi de moi, beaucoup plus approprié) m’a touché même si le long métrage n’est pas exempt de défauts.

Les plus critiques diront que le scénario est convenu, qu’il est rempli de clichés et de situations incroyables qui font qu’on ne croit pas à cette histoire d’amour. Ils expliqueront aussi que la fin (que je ne révèle absolument pas pour ne pas gâcher le plaisir des fans) est une terrible erreur. Et vous entendrez aussi qu’à 113 minutes, il est beaucoup trop long.

Tout cela n’est pas entièrement faux, mais je serai moins sévère que cela. Oui, on croit à cette histoire d’amour et aux personnages qui évoluent à New York. Remember Me s’ouvre en 1991 sur une séquence dans laquelle une mère se fait tuer dans le métro de New York sous les yeux de sa fille. Dix ans plus tard, on la retrouve à l’Université. Ally Craig (Emilie de Ravin) vit avec son père (Chris Cooper), un flic obtus et violent.

Parallèlement, on fait la connaissance de Tyler (Robert Pattinson), dont la famille s’est dissoute depuis le suicide de son frère aîné, Michael. Divorce des parents (Pierce Brosnan et Lena Olin), sentiment de culpabilité de sa petite sœur Caroline (Ruby Jerins), malaise de ce jeune qui n’arrive plus à trouver sa place et qui se heurte systématiquement à son père qu’il accuse d’indifférence. Et il ne faut pas s’y tromper, avant d’être une histoire d’amour, Remember Me est un film sur la manière dont les gens appréhendent la perte d’un proche.

Et oui, cela veut dire que, puisqu’on y trouve toute la gamme – ou presque – d’émotions possibles, le scénario de Will Fetters fait un peu dans le cliché. Mais la vie est parfois un cliché et il faut bien avouer qu’on finit par s’attacher aux personnages. Comment ne pas comprendre le personnage incarné par Robert Pattinson, adolescent attardé (un mot pour souligner que l’acteur révèle, contrairement aux films de la saga Twilight, un jeu qui n’est pas dénué d’intérêt, notamment dans des scènes dramatiques. Dommage qu’il soit sous-employé dans son rôle d’Edward Cullen) et révolté? Ou comment ne pas être ému par Caroline, fillette d’une dizaine d’années qui se demande pourquoi son père n’aime pas passer de temps avec elle?

Il ne faut pas s’y tromper, au-delà de l’exploration de l’absence et de la mort, Remember Me est aussi une célébration de la vie, un constat sur la nécessité de continuer, malgré tout, de se rappeler des disparus et de continuer à les faire vivre dans nos souvenirs. La fin peut sembler une «recette» de scénariste en mal d’inspiration qui a besoin de donner un électrochoc au public pour le réveiller. Ce n’est pas du tout ainsi que je l’ai vue. Je n’y ai senti qu’un désir supplémentaire d’insister sur l’absence de sens de la vie. En bref, La rage de vivre mérite d’être vu. Sans être un grand film, il est suffisamment émouvant pour plaire.

Cote: ★★★★★★½☆☆☆ 

[Communiqué de presse] Alex Tagliani a récemment eu l’occasion de jouer un bref rôle parlant dans le prochain film Score: A Hockey Musical. En compagnie des acteurs canadiens Marc Jordan et Margaret Atwood, Alex joue son personnage, tout comme Walter Gretzky, dans une scène qui a été tournée dans un aréna de hockey de Toronto. Alex a bien aimé son expérience, mais il a admis ne pas sérieusement songer à abandonner, du moins pour l’instant, sa carrière de pilote dans la série IZOD IndyCar.

«Ça été un moment incroyable. Ma rencontre avec les acteurs et chanteurs de ce film a été tout à fait géniale», a déclaré Alex. «J’ai eu tellement de plaisir à jouer ce rôle. J’ai chaussé mes patins de hockey, mais ça faisait un bout que je n’étais pas monté sur ces deux lames. Par contre, je ne crois pas que je suis prêt à poursuivre une carrière au cinéma, même si j’ai adoré l’expérience. J’ai surtout été honoré d’être invité à participer à ce film.»

Score: A Hockey Musical, un film musical dont la toile de fond est notre sport national, a été tourné à Toronto par le directeur Michael McGowan (One Week et Saint Ralph). Ce film raconte l’histoire d’un jeune prodige du hockey, joué par Noah Reid, et de ses parents, dont les rôles sont tenus par Olivia Newton-John et du chanteur compositeur Marc Jordan, qui s’inquiètent de la tournure des événements dans la vie de la jeune étoile. Le film, dont le tournage à Toronto a débuté au début de février, a été mis en boîte le 8 mars. Score: A Hockey Musical sortira en salle au Canada le 22 octobre. Il est distribué par Mongrel Media.

Quelques-uns des Oscars remis aux gagnants
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La 82e cérémonie de remise des Oscars s’est ouverte au Kodak Theater de Los Angeles à 17h précises, heure locale. Plus de 3300 stars et professionnels de l’industrie de cinéma sont rassemblés dans cette salle de spectacle qui accueille les Oscars depuis 2001. Et en coulisses, plus de 350 techniciens s’assurent que la retransmission et la remise des prix se déroule sans fausse note.

À la barre de cette soirée, Alec Baldwin et Steve Martin (voir tous les clichés) qui promettent de faire rire à la fois l’assistance et les spectateurs, massés devant leur petit écran. Mais ce n’est pas parce que le rire est au rendez-vous que le temps n’est pas compté. En effet, pas question de battre le record de durée, établi en 2002, de 4h23! La cérémonie de remise des Oscars se terminera, normalement, à 20h heure locale, soit trois heures après son début. C’est pourquoi les gagnants des Oscars sont priés de se tenir à un discours de remerciements de 45 secondes, cette règle sera d’ailleurs strictement appliquée. Les stars qui souhaitent faire un discours plus long peuvent le faire devant des caméras séparées et leur allocution sera ensuite mise en ligne.

Les Oscars sont remis par l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS), organisme créé en 1927. Cette année, un total de 274 longs métrages étaient éligibles à la catégorie du Meilleur film. 65 pays différents ont déposé une œuvre pour la catégorie du Meilleur film étranger, tandis que 5777 membres de l’AMPAS ont voté pour les films en compétition. Pour cette soirée de remise des prix les plus prestigieux de l’industrie du cinéma, 50 statuettes ont été crées pour honorer les gagnants des 24 catégories (pour voir comment est fabriqué un Oscar, cliquez ici).

Le premier Oscar de la soirée est remis au meilleur acteur de soutien, tandis que le dernier va au meilleur film. La liste des gagnants ci-dessous est mise à jour en direct, pendant la soirée, il vous suffit de rafraîchir la page. Chaque gagnant (acteur, actrice ou film) est en identifié en rouge dans chaque catégorie, et une statuette est placée avant son nom, comme ceci:  Nom du gagnant – GAGNANT. Si vous souhaitez lire différents articles explicatifs et détaillés, veuillez consulter notre section Oscars 2010.

Meilleur acteur
 Jeff Bridges – Crazy Heart (notre critique)
George Clooney – Up in the Air (dossier – notre critique)
Colin Firth – A Single Man (notre critique)
Morgan Freeman – Invictus (notre dossier complet – le junket avec Morgan Freeman – le junket avec Clint Eastwood – notre critique)
Jeremy Renner – The Hurt Locker

Meilleur acteur, second rôle (ou Meilleur acteur de soutien)
Matt Damon – Invictus (notre dossier complet – le junket avec Morgan Freeman – le junket avec Clint Eastwood – notre critique)
Woody Harrelson – The Messenger
Christopher Plummer – The Last Station
Stanley Tucci – The Lovely Bones (notre dossier complet)
 Christoph Waltz – Inglourious Basterds (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)

Meilleure actrice
 Sandra Bullock – The Blind Side (notre dossier)
Helen Mirren – The Last Station
Carey Mulligan – An Education
Gabourey Sidibe – Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire (voir notre dossier complet du film – notre critique)
Meryl Streep – Julie & Julia (notre dossier – notre critique)

Meilleure actrice, second rôle (ou Meilleure actrice de soutien)
Penélope Cruz – Nine (notre dossier complet – Penélope Cruz et Fergie pendant le tournage – notre critique)
Vera Farmiga – Up in the Air (dossier – notre critique)
Maggie Gyllenhaal – Crazy Heart (notre critique)
Anna Kendrick – Up in the Air (dossier – notre critique)
 Mo’Nique – Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire (voir notre dossier complet du film – notre critique)

Meilleur film d’animation
Coraline – Henry Selick(notre dossier – le making of – l’interview de Neil Gaiman)
Fantastic Mr. Fox – Wes Anderson (notre dossier complet – notre critique)
The Princess and the Frog – John Musker et Ron Clements (notre dossier – notre critique – les vidéos d’Anthony Kavanagh)
The Secret of Kells – Tomm Moore
 Up – Pete Docter (notre dossier – toutes les vidéos – notre critique)

Meilleure direction artistique
 Avatar (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
The Imaginarium of Doctor Parnassus (notre dossier complet de photos et de vidéos – notre critique)
Nine (notre dossier complet – Penélope Cruz et Fergie pendant le tournage – notre critique)
Sherlock Holmes (notre dossier de photos et de vidéos – la conférence de presse de présentation du film – l’entrevue de Robert Maillet – notre critique)
The Young Victoria (notre dossier – notre critique)

Meilleure direction photo
 Avatar (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
Harry Potter and the Half-Blood Prince (notre dossier – un documentaire vidéo)
The Hurt Locker
Inglourious Basterds (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)
The White Ribbon

Meilleurs costumes
Bright Star (notre dossier – notre critique)
Coco before Chanel (notre critique)
The Imaginarium of Doctor Parnassus (notre dossier complet de photos et de vidéos – notre critique)
Nine (notre dossier complet – Penélope Cruz et Fergie pendant le tournage – notre critique)
 The Young Victoria (notre dossier – notre critique)

Meilleur réalisateur
James Cameron – Avatar (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
 Kathryn Bigelow – The Hurt Locker
Quentin Tarantino – Inglourious Basterds (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)
Lee Daniels – Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire (voir notre dossier complet du film – notre critique)
Jason Reitman – Up in the Air (dossier – notre critique)

Meilleur documentaire
Burma VJ
 The Cove
Food, Inc.
The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers
Which Way Home

Meilleur documentaire, court-métrage
China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province
The Last Campaign of Governor Booth Gardner
The Last Truck: Closing of a GM Plant
 Music by Prudence
Rabbit à la Berlin

Meilleur montage
Avatar (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
District 9 (notre dossier – notre critique)
 The Hurt Locker
Inglourious Basterds (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire (voir notre dossier complet du film – notre critique)

Meilleur film étranger
Ajami – Israel
 El Secreto de Sus Ojos – Argentine
The Milk of Sorrow – Pérou
Un Prophète – France
The White Ribbon – Allemagne

Meilleur maquillage
Il Divo
 Star Trek (voir notre dossier complet – deux extraits – six extraits vidéo – l’interview de Zachary Quinto – notre critique)
The Young Victoria (notre dossier – notre critique)

Meilleure musique de film (ou Meilleure trame sonore)
Avatar – James Horner (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
Fantastic Mr. Fox – Alexandre Desplat (notre dossier complet – notre critique)
The Hurt Locker – Marco Bletrami et Buck Sanders
Sherlock Holmes – Hans Zimmer (notre dossier de photos et de vidéos – la conférence de presse de présentation du film – l’entrevue de Robert Maillet – notre critique)
 Up – Michael Giacchino (notre dossier – toutes les vidéos – notre critique)

Meilleure chanson originale pour un film
Almost There – The Princess and the Frog – Musique et paroles par Randy Newman (notre dossier – notre critique – les vidéos d’Anthony Kavanagh)
Down in New Orleans – The Princess and the Frog – Musique et paroles par Randy Newman (notre dossier – notre critique – les vidéos d’Anthony Kavanagh)
Loin de Paname – Paris 36 – Musique par Reinhardt Wagner, paroles par Frank Thomas
Take It All – Nine – Musique et paroles par Maury Yeston (notre dossier complet – Penélope Cruz et Fergie pendant le tournage – notre critique)
 The Weary Kind (Theme from Crazy Heart) – Crazy Heart – Musique et paroles par Ryan Bingham et T Bone Burnett (notre critique)

Meilleur film
Avatar (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
The Blind Side (notre dossier)
District 9 (notre dossier – notre critique)
An Education
 The Hurt Locker
Inglourious Basterds (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire (voir notre dossier complet du film – notre critique)
A Serious Man (notre dossier – notre critique)
Up (notre dossier – toutes les vidéos – notre critique)
Up in the Air (dossier – notre critique)

Meilleur film d’animation, court-métrage
French Roast – Fabrice O. Joubert
Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty – Nicky Phelan et Darragh O’Connell
The Lady and the Reaper (La Dama y la Muerte) – Javier Recio Gracia
 Logorama – Nicolas Schmerkin
A Matter of Loaf and Death – Nick Park

Meilleur court-métrage
The Door – Juanita Wilson et James Flynn
Instead of Abracadabra – Patrik Eklund et Mathias Fjellström
Kavi - Gregg Helvey
Miracle Fish – Luke Doolan et Drew Bailey
 The New Tenants – Joachim Back et Tivi Magnusson

Meilleur montage sonore
Avatar Christopher Boyes et Gwendolyn Yates Whittle (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
 The Hurt Locker Paul N.J. Ottosson
Inglourious Basterds Wylie Stateman (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)
Star Trek Mark Stoeckinger et Alan Rankin (voir notre dossier complet – deux extraits – six extraits vidéo – l’interview de Zachary Quinto – notre critique)
Up Michael Silvers et Tom Myers (notre dossier – toutes les vidéos – notre critique)

Meilleure sonorisation
Avatar – Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson et Tony Johnson (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
 The Hurt Locker – Paul N.J. Ottosson et Ray Beckett
Inglourious Basterds – Michael Minkler, Tony Lamberti et Mark Ulano (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)
Star Trek – Anna Behlmer, Andy Nelson et Peter J. Devlin (voir notre dossier complet – deux extraits – six extraits vidéo – l’interview de Zachary Quinto – notre critique)
Transformers: Revenge of the Fallen – Greg P. Russell, Gary Summers et Geoffrey Patterson (notre dossier)

Meilleurs effets visuels (ou Meilleurs effets spéciaux)
 Avatar Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham et Andrew R. Jones (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique)
District 9 Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros et Matt Aitken (notre dossier – notre critique)
Star Trek Roger Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh and Burt Dalton (voir notre dossier complet – deux extraits – six extraits vidéo – l’interview de Zachary Quinto – notre critique)

Meilleure adaptation de scénario (ou Meilleur scénario – Adaptation)
District 9 – Écrit par Neill Blomkamp et Terri Tatchell (notre dossier – notre critique)
An Education – Scénario par Nick Hornby
In the Loop – Scénario par Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci et Tony Roche
 Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire – Scénario par Geoffrey Fletcher (voir notre dossier complet du film – notre critique)
Up in the Air – Scénario par Jason Reitman et Sheldon Turner (dossier – notre critique)

Meilleur scénario original
 The Hurt Locker – Écrit par Mark Boal
Inglourious Basterds Écrit par Quentin Tarantino (notre dossier complet – l’entrevue de Quentin Tarantino – l’interview complète de Mélanie Laurent – notre critique)
The Messenger – Écrit par Alessandro Camon et Oren Moverman
A Serious Man Écrit par Joel Coen et Ethan Coen (notre dossier – notre critique)
Up – Scénario par Bob Peterson et Pete Docter; histoire par Pete Docter, Bob Peterson et Tom McCarthy (notre dossier – toutes les vidéos – notre critique)

Mia Wasikowska est parfaite dans Alice au pays des merveilles
© Walt Disney Studios – Tous droits réservés, reproduite avec autorisation

Je ne vous cacherai pas que j’attendais avec impatience la dernière réalisation de Tim Burton, Alice au pays des merveilles (notre dossier complet en photos – toutes les vidéos – notre autre critique), qui arrive dans les salles du Québec et d’Amérique du Nord le 5 mars et mettant en vedette Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter et Anne Hathaway. Après tout, avec Burton à la barre, je n’avais pas d’inquiétude quant à la qualité du scénario et, à en juger par les images du film publiées au fil des derniers mois, je salivais déjà à l’idée de l’univers visuel que nous réservait le brillant réalisateur.

C’était sans compter sur ce qui est sans contredit le talon d’Achille du film: la technologie 3D. Là où des films tels que Up ou Avatar (notre dossier spécial – le junket de Zoe Saldana – notre première critique – notre deuxième critique) ont brillé, en nous plongeant dans un univers 3D véritablement magique, Burton a cafouillé. Dès les premières scènes du film, on a une impression de décors en carton, de personnages en surimpression sur un fond unidimensionnel. La situation s’améliore un peu quand Alice arrive dans l’univers magique de Wonderland, mais jamais au point où la 3D devient crédible.

Ceci étant dit, si l’on met de côté la tentative ratée pour nous impressionner en 3D et que l’on se tourne vers la 2D, on peut alors se concentrer sur le film, le scénario, les personnages et l’interprétation des acteurs. À ce niveau, on retrouve – pour la majeure partie – l’excellence à laquelle Burton nous a habitués.

L’intégration des acteurs et des images de synthèse est fort bien réussie, et lorsque l’on y ajoute des prestations remarquables comme celles d’Helena Bonham-Carter en Reine de Coeur, de Johnny Depp en Chapelier fou et de Matt Lucas en Tweedledee et Tweedledum, sans oublier Mia Wasikowska merveilleuse en Alice, on est comblé. Ajoutez à cela la chenille bleue et le chat du Cheshire, tous deux superbes. En fait, à mes yeux, il n’y a qu’Anne Hathaway qui n’est pas arrivée à me convaincre dans sa prestation de la Reine blanche. Il y a un je ne sais quoi de son interprétation qui semblait artificiel, comme quelqu’un qui essaie de donner une impression d’être éthérée, détachée, plutôt que de l’être véritablement. On ne s’interroge pas sur le délire du Chapelier fou: on oublie Depp et l’on croit au personnage. Avec la Reine blanche, on n’oublie pas Hathaway.

Au final, Alice au pays des merveilles – en 2D – s’avère un film divertissant, empreint de toutes les petites touches à la Burton – quelle finesse dans les détails! – qui font que l’on apprécie. Ce n’est peut-être pas le grand film que l’on attendait, mais ça demeure un film à voir. Néanmoins, pour la 3D, c’est la démonstration qu’après Avatar, on ne peut plus se permettre de couper les coins ronds et faire dans la demi-mesure si l’on veut prétendre à la crédibilité.

Cote (Version 2D): ★★★★★★★☆☆☆ 

Cote (Version 3D): ★★★★★½☆☆☆☆ 

Richard Gere et Ethan Hawke dans Brooklyn’s Finest
© Alliance VivaFilm – Tous droits réservés

Après Training Day, Antoine Fuqua a décidé de repasser derrière la caméra pour mettre en scène une autre histoire de flics corrompus. Brooklyn’s Finest, qui met en vedette Ethan Hawke, Richard Gere, Don Cheadle et Wesley Snipes sort dans les salles du Québec et d’Amérique du Nord aujourd’hui.

Écrit par Michael C. Martin dans l’espoir de remporter un concours pour s’acheter une voiture, le scénario de Brooklyn’s Finest a ensuite été remarqué par un producteur, qui a décidé de le porter au grand écran. La vie de trois policiers de l’un des secteurs les plus durs de Brooklyn s’y entremêlent, avec, en toile de fond, un examen des conditions de vie dans ce quartier sordide.

Sal Procida (Ethan Hawke) est un policier aux abois. Avec ses quatre enfants, plus l’arrivée imminente de jumeaux, et une maison insalubre, son rêve est de pourvoir aux besoins des siens. Malheureusement, ce n’est pas avec son salaire de 20 000 $ qu’il va pouvoir leur payer une maison dans laquelle tous les enfants auront enfin leur chambre.

Eddie Dugan (Richard Gere) est à sept jours de la retraite. Après 22 ans de bons et loyaux services, ce flic alcoolique a décidé que, pour rester en vie, il fallait qu’il évite de prendre des risques inconsidérés. Mais ses supérieurs lui refilent une nouvelle recrue à former.

Clarence Butler (Don Cheadle) travaille, lui, dans la division de lutte contre le trafic de drogue. Il se fait donc passer pour un dealer afin de démanteler un réseau. Mais les années d’infiltration commencent à se faire sentir et il veut absolument que ses supérieurs le transfèrent.

Ce décor planté, le reste n’est que l’examen d’une semaine de la vie de ces trois personnages principaux. Sans complaisance, Antoine Fuqua montre la dure réalité de ces policiers. Pas d’espoir de s’échapper, pas de possibilité d’améliorer sa vie. Le jeu de Ethan Hawke, Richard Gere, Don Cheadle et Wesley Snipes (qui fait une apparition en malfrat) est très bon, rien à redire non plus du travail du réalisateur. Mais il manque à Brooklyn’s Finest un je-ne-sais-quoi qui nous ferait ressentir une émotion – n’importe laquelle – pour ces personnages.

En bref, le scénario est trop lent pour ce genre de films. Et, au bout d’une demi-heure, on a, comme les protagonistes, la désagréable impression d’être condamné à subir les événements. Et c’est d’autant plus malheureux que la psychologie des personnages est habilement étudiée. On attend donc la sortie de ce titre en format DVD.

Cote: ★★★★★☆☆☆☆☆