C’est dans un décor futuriste à souhait que Lady GaGa a posé devant l’objectif de David LaChapelle. Cette série de clichés figure dans l’édition limitée de l’album The Fame Monster, en vente depuis le 15 décembre dernier (l’édition standard du nouveau CD de la chanteuse est, elle, disponible depuis le 23 novembre). Cette édition, créée pour les fans et les collectionneurs inclut notamment un livret (dans lequel on trouve ces photos), des poupées en papier, un puzzle et même une mèche de cheveux de Lady GaGa! Au total, trois versions de The Fame Monster ont été mises en vente, histoire de profiter pleinement de la période de Noël.

«Dans The Fame Monster, j’écris sur tout ce dont je n’ai pas parlé dans The Fame» avait d’ailleurs expliqué la chanteuse en présentant son nouvel album en novembre dernier. Lady GaGa avait aussi précisé: «Pendant mes voyages à travers le monde depuis les deux dernières années, j’ai rencontré différents monstres. Ils sont chacun représentés sur le CD. Il y a le Fear of Sex Monster (la peur du sexe), le Fear of Alcohol Monster (la peur de l’alcool), le Fear of Love Monster (la peur de l’amour), le Fear of Death Monster (la peur de la mort) et le Fear of Loneliness Monster (la peur de la solitude)». Car ce CD est une ré-édition, avec huit chansons supplémentaires, de The Fame, album vendu à plus de quatre millions d’exemplaires. Histoire de vous donner un aperçu de The Fame Monster, vous pouvez visionner, ci-contre, à droite, la bande-annonce de l’album.

Les photos de David LaChapelle (toutes visibles sur le site officiel du photographe) sont autant de clins d’oeil à la vie et à la carrière de la new-yorkaise, de son vrai nom Stefani Joanne Angelina Germanotta. Sur l’une d’entre elles, on voit d’ailleurs Kanye West tenant la chanteuse, nue, dans ses bras dans un décor de fin du monde, devant un volcan en éruption. Une autre est un hommage au film Metropolis, avec des corps dévêtus placés aux pieds de Lady GaGa. Et, enfin, la plus symbolique des photos révèle la jeune femme – encore nue – drapée dans des gros titres de magazines à potins!

PHOTOS: © LaChapelle Studios – Tous droits réservés

PHOTOS: © LaChapelle Studios – Tous droits réservés

© Audiogram- Tous droits réservés

Selon les renseignements divulgués par Audiogram, étiquette sous laquelle est sorti, hier, Chansons pour les mois d’hiver, nouvel album d’Isabelle Boulay, la chanteuse avait envie de célébrer la saison froide qu’’elle adore depuis toujours. Elle rêvait d’’un album intemporel, hors des modes, chaleureux, réconfortant en ces temps difficiles.

Le résultat? Chansons pour les mois d’’hiver. «L’’album a été enregistré dans la complicité, dans un esprit folk» a-t-elle expliqué. Pour la première fois, elle a fait appel au réalisateur Marc Pérusse (Luc de Larochellière, Daniel Boucher). Une rencontre formidable, selon Isabelle, enchantée: «Cet album, je l’’ai chanté comme on dépose un châle sur les épaules».

Le clip de Chanson pour les mois d’hiver, qui se trouve ci-dessous, est une œuvre originale signée Steve Marin, qui figure sur son nouvel opus réalisé par Marc Pérusse. Le vidéoclip tiré de cette pièce est une réalisation d’Alain Chicoine réunissant tous les musiciens qui ont travaillé sur l’album. Bon visionnement!

Susan Boyle hier à New York, présentant des extraits de son album I Dreamed a Dream
© Fame Pictures – REPRODUCTION INTERDITE

I Dreamed a Dream est le premier album solo de Susan Boyle. Le CD, qui figure actuellement en première position des albums les plus pré-commandés sur Amazon.com (l’opus sort aujourd’hui dans les bacs), devrait être le succès de la fin de l’année. Lors de son passage, hier, à l’émission Today show, Susan Boyle a interprété des extraits de I Dreamed a Dream. Vous pouvez d’ailleurs, en écouter quelques-uns en cliquant sur la photo de la chanteuse, ci-contre, à droite. De plus, nous vous présentons, en vidéo, un court reportage sur Susan Boyle et le nouvel album.

Hier, donc, au Rockefeller Plaza de New York, la chanteuse d’origine écossaise a interprété, lors d’un mini concert, Wild Horses de Mick Jagger et Cry Me a River. «J’ai mûri un peu» a-t-elle expliqué, lors d’une interview qui suivait sa prestation. «Je suis un peu plus une dame» a ajouté Susan Boyle, avant d’avouer qu’elle ne réalisait toujours pas ce qui lui arrivait. «Tout cela est surréaliste, comme si ce n’était pas vraiment en train de m’arriver».

Parmi les autres chansons qui figurent sur I Dreamed a Dream, mentionnons You’ll see de Madonna. Susan Boyle explique ainsi le choix de cette pièce. «J’essayais de faire une déclaration, parce que j’ai été victime d’intimidation à l’école». Elle a également précisé: «Je voulais dire: ‘Vous m’avez peut-être fait ça quand j’étais jeune, mais c’est fini. J’ai grandi’». Malgré son succès, Susan Boyle est restée simple. «Ce qui m’importait avant, m’importe toujours» a déclaré la chanteuse de 48 ans. «Ma foi, mes amis, ma famille. Je ne suis plus isolée, je fais partie du monde».

La pochette de Russian Roulette, le nouveau single de Rihanna
© Island Def Jam Music Group – Tous droits réservés

Russian Roulette, le tout nouveau single de Rihanna, extrait de son prochain album intitulé Rated R, vient de faire son apparition à la radio. Vous pouvez d’ailleurs visionner, en vidéo ci-contre à droite, le tournage du clip vidéo, présenté sur ABC et réalisé par Anthony Mandler. Il est également possible de voir la vidéo de Russian Roulette sur le site officiel de Rihanna.

En dessous, vous trouverez un widget annonçant la sortie de Rated R et incluant des photos et extraits de Rihanna. Le single Russian Roulette a été écrit par Ne-Yo, qui a déjà collaboré avec Rihanna par le passé. C’est lui qui avait composé Unfaithful, chanson tirée de son dernier album A Girl Like Me, sorti en 2006 ainsi que Hate That I Love You (de l’album Good Girl Gone Bad, en 2007).

Le nouvel album de Rihanna, Rated R (la pochette de Russian Roulette, le single, figure ci-contre), sortira le 23 novembre prochain, en formats CD et digital. Island Def Jam Music Group a souligné que, parmi les artistes qui y ont collaboré, on note, en plus de Ne-Yo, The-Dream, Tricky Stewart, Chase & Status, Stargate et Justin Timberlake. Rated R est le quatrième opus de la jeune chanteuse de 21 ans, originaire de l’île de la Barbade.

Il suit Good Girl Gone Bad (sorti en mai 2007), qui incluait Umbrella (avec Jay-Z), Shut Up and Drive, Hate That I Love You (avec Ne-Yo), et Don’t Stop the Music. Ce CD avait figuré sur tous les palmarès et a été consacré 36 fois disque Platine dans 20 pays du monde. A Girl Like Me était sorti en 2006 et suivait Music Of the Sun, qui incluait le hit Pon De Replay et qui avait été mis en vente en 2005.

Photo © Lebuzz.info/Benoit Bisson – Tous droits réservés

Quatorze ans après Pigeon d’argile, qui nous l’a fait découvrir, Kevin Parent nous offre un cinquième album studio, qui succède à Fangless Wolf Facing Winter, son album dans la langue de Shakespeare. Encore une fois, on se fait prendre en moins de temps qu’il ne faut pour le dire par ses chansons. Il a ce don de toucher ce qu’il y a de plus humain en nous, et de nous le chanter, tout simplement. Ce n’est pas pour rien qu’il rejoint tant le public, qu’il compte sur des fans indéfectibles.

Tous les grands médias d’ici ont déjà réalisé des entrevues avec lui, décortiqué son album de long en large, avant même le lancement, alors je ne me taperai pas le même exercice. Je vous dirai plutôt que si vous appréciez la musique sans artifice, l’intégrité plutôt que la superficialité, la chaleur plutôt que le marketing à deux balles, vous aimerez l’album. Beaucoup.

En attendant que Kevin débute sa tournée, en février prochain, qu’il passe par le Club Soda, les 4 et 20 mars, et le 17 avril, vous avez amplement le temps d’apprécier son p’tit dernier. Et, comme c’est notre habitude, pour vous aider à patienter, quelques photos du lancement.

(Communiqué) Virtuose: 1. Personne qui s’adonne avec passion à un art. 2. Interprète auquel la parfaite maîtrise technique de son instrument permet, sans effort apparent, de surmonter les plus grandes difficultés d’exécution (Le Petit Larousse). Deux définitions acceptées, deux façons complémentaires de saisir le talent et le charisme d’Angèle Dubeau, violoniste virtuose parmi les plus en vue au Canada, artiste d’une rare polyvalence, aussi à l’aise sur les grandes scènes du monde que dans l’intimité du studio d’enregistrement, qui mène depuis 32 ans une carrière éblouissante. À 23 ans, déjà soliste recherchée, tant en Europe qu’en Asie et en Amérique, elle enregistre le premier d’une trentaine d’albums qui seront salués à maintes reprises par la critique, tant ici qu’à l’étranger. Gramophone soulignait d’ailleurs en 2007 la qualité de Solo, qui ponctuait ses 30 ans de carrière, en ces termes élogieux: «Dubeau interprète tout ceci avec une verve et un style exceptionnels».

C’est avec un grand plaisir que la violoniste propose aux mélomanes une compilation qui reprend des extraits de certains de ses albums loués, véritables jalons posés au cours d’un périple musical jusqu’ici remarquable. On pourra l’apprécier comme soliste invitée de grands orchestres, comme chambriste convaincue, tant avec son complice le regretté Alain Marion que l’extraordinaire canadien Anton Kuerti, comme soliste et directrice artistique de son ensemble La Pietà ou seule avec son violon, aussi bien dans des concertos de Mendelssohn, Sibelius ou Glazounov que dans des oeuvres de Locatelli, Martinù ou Schubert.

Prix prestigieux et distinctions officielles multiples ont souligné l’excellence d’Angèle Dubeau, dont 10 Félix, un Prix Opus du public, des Chocs de la musique, un Diapason d’or et le titre de soliste de l’année 1987 émis par les radios publiques de langue française, qui la mena en tournée en France, en Belgique et en Suisse. Prix du Concours Tibor Varga en Suisse (1983) et Prix des Amériques au Concours international Viña del Mar au Chili (1985), on lui a également remis l’Ordre du Canada, l’Ordre du Québec et le prix Calixa‐Lavallée de la Société Saint‐Jean‐Baptiste pour sa contribution exceptionnelle à la musique au Canada.

Au fil des enregistrements et des concerts, sa fougue et sa musicalité ont été encensées. Suite à un récital au prestigieux South Bank Centre de Londres, The Times (Londres, 8 avril 1988) l’a décrit comme «une brillante violoniste… son exécution se distingue par une sonorité ardente, une justesse d’intonation absolue… et faisant montre d’un sens judicieux de fantaisie et d’imagination». «Angèle Dubeau est une artiste qui ne peut laisser indifférent. Sa fine musicalité, sa sonorité émouvante, son goût très sûr sont des qualités que l’on ne rencontre pas souvent», mentionne quant à lui Le Monde de la musique. L’Ottawa Citizen la salue comme «l’une des très rares virtuoses», et Répertoire (France) comme une «violoniste de première classe». Qu’elle soit seule, face à un orchestre, dans l’intimité du répertoire de chambre, avec La Pietà, Angéle Dubeau continue d’éblouir, de renverser, d’interpeller le public.

Comme le dit si bien Gilles Medioni sur le site de Jane Birkin, «Au coeur de ce Live au Palace bat le coeur de Jane. Et de Kate, Charlotte et Lou. “Mes chansons leur sont davantage dédiées que je ne l’ai laissé paraître. Ce sont des secrets. Ce disque est un témoignage d’un moment précieux, c’est tout.” Et c’est déjà beaucoup.» Jane Birkin, pour moi, ce fut d’abord ce vinyle que j’ai toujours, simplement intitulé Jane Birkin Serge Gainsbourg. C’était en 1969. De la muse de Gainsbourg que j’avais alors découvert, elle est devenue – après longtemps, je l’avoue – tout simplement Birkin. Non pas que Gainsbourg soit disparu de mon décor musical, mais plutôt pour dire que Jane Birkin y a pris sa place, avec ses chansons, ses convictions, ses causes.

Toujours tiré du texte de Serge Modiani, sur le site de Jane, il nous la cite «Les chansons de Serge ont mis les miennes en valeur… Je me sens sans doute plus à l’aise en reprenant sur scène les morceaux d’Enfants d’hiver. Et il y a aussi ces surprises si délicieuses comme les reprises de L’eau à la bouche, des Petits papiers.»

Et il poursuit, nous apprenant que «C’est une set-list conçue avec Philippe Lerichomme, orchestrée subtilement par Edith Fambuena, “invitée surprise sur scène”, jouées par Hélène Szanto (contrebasse), Dominique Pinto (violoncelle), Frédéric Maggi (piano, keys) et Nicolas Dubosc (guitares, cordes). Le concert et donc le disque live est équilibré, harmonieux, intimiste, en demi-teinte et porté par les jeux de l’amour, de la vie, des combats intérieurs et de tous les instants. Ainsi cette chanson consacrée à Aung San Suu Kyi et que Jane chantera, dit-elle en live “jusqu’à ce que les choses changent en Birmanie”.»

Je n’aurai su mieux dire. D’ailleurs je vous invite à explorer le site de Jane Birkin, à l’adresse www.janebirkin.net, à découvrir ses engagements, à écouter sa musique, la musique d’une grande artiste. Et si vous avez la chance d’être en France, elle y est actuellement en tournée. Voici des extraits de cet album live au Palace, de même que son itinéraire de tournée pour les prochains mois.

JANE BIRKIN AU PALACE

Octobre 2009
13/ St Ouen – Espace 1789
14/ Grenoble – Maison de la Culture
16/ Angoulême – Th. Angoulême
17/ Mérignac – Le Pin Galant
19/ Blagnac – Odyssud

Novembre 2009
12/ Béziers – Salle Zinga Zanga
13/ Marseille – Th. du Gymnase
14/ Marseille – Th. du Gymnase
17/ Isle d’Abeau – Salle Culture & Loisirs
20/ Loudéac – Palais des Congrès
25/ Grand Quevilly – Th. Charles Dullin
26/ Arras – Casino Jauge
27/ Le Havre – Le Volcan

Décembre 2009
3/ St Etienne – L’Esplanade
4/ Villefranche – Th. Municipal
5/ Belley – L’Intégral
8/ La Flèche – Salle Coppelia
9/ Vallet – Le Champilambart
10/ St Herblain – Onyx
13/ Paris (Concert FIDH) – Le Palace

Janvier 2010
7/ Auray – CC Athena
9/ Annecy – Bonlieu
13/ Mulhouse – La Filature
15/ Florange – CC La Passerelle

Boom Desjardins et Annie Villeneuve
Photo © Lebuzz.info/Benoit Bisson – Tous droits réservés

C’est au Métropolis que Boom Desjardins nous présentait cette semaine son nouvel album, Rock le Québec. Au menu, 14 pièces que l’on pourrait facilement qualifier d’incontournables, servies à la sauce rock par Boom et un band vraiment pas piqué des vers: Steve Hill et Jean Philippe Lagueux aux guitares, Éric Maheu à la basse, Yanick Boivin à la batterie et John Webster aux claviers. C’est aussi John Webster, lui qui a travaillé avec Aerosmith, Bon Jovi et Bryan Adams, entre autres, qui signe la réalisation. Quelques heures avant qu’il ne monte sur scène, j’ai eu la chance de rencontrer Boom et de discuter avec lui de l’album. Il a commencé par m’expliquer un peu comment le projet est né, et de ce qui va venir maintenant que Rock le Québec est sorti.

«En arrivant avec mon album On se ressemble tant (en mars 2008), on avait déjà démarré le projet. C’est sûr que deux ans, c’est beaucoup de préparation. Il y a eu beaucoup de meetings autour de ça. Je pense que vous pouvez voir qu’on y met le paquet. À travers ça, moi, j’avais envie de retourner en band, j’avais envie de ressentir cette énergie-là. C’est sûr que j’avais mon band, mais c’était beaucoup axé sur moi. C’est comme si je chuchotais à l’oreille des gens, tout en les faisant réfléchir avec le côté un petit peu plus personnel. Ça fait partie de l’univers de la musique, mais il y a aussi le côté festif. Je pense que la musique, c’est aussi pour s’éclater, pour oublier, pour ne pas se casser la tête, et j’ai l’impression que je suis rendu là dans ma vie. Je pense que j’ai toujours voulu réfléter sur mes albums, dans mes tournées, où j’étais rendu dans ma vie, pour sentir que j’étais le plus honnête possible aussi avec le public. J’ai toujours dit que s’il y a une chose qui est importante pour moi, c’est que les gens comprennent qui je suis, et que l’on ne se fasse pas d’idées. Je suis un petit gars de l’Abitibi, je le suis resté.

As-tu eu un problème, justement, quand tu t’es retrouvé solo et que tu avais ni plus ni moins l’étiquette de La Chicane au-dessus de la tête, l’étiquette du gars qui chante Calvaire plus qu’autre chose?

Il faut dire que moi, Calvaire, je chantais ça avant même de connaître les gars de La Chicane. Juste pour voir le monde, je faisais cette chanson-là avant même de connaître les gars de La Chicane. C’est pas le genre de chose que l’on peut dire quand on est en band, et je n’ai pas envie de dire ‘c’est moi, c’est moi!’, mais même les chansons que j’ai pu chanter et que les gars ont écrites, ce sont mes chansons. À un moment donné, quand un artiste interprète une chanson, il y a toute cette couleur, toute cette façon, si l’on peut dire, d’étaler un peu dans la chanson ce que l’on est. Alors ce que j’ai fait avec cet album-là, justement, c’est de les interpréter à ma façon.

Effectivement, quand on écoute Rock le Québec, on n’a pas l’impression d’entendre un remake qui essaie de sonner comme l’original. Tu t’appropries vraiment chaque pièce.

Je pense que l’on retrouve Boom, que l’on n’est pas désorienté. Ceux qui me connaissent vont dire ‘c’est du Boom’ et ils vont embarquer dans le trip. Je pense aussi que je n’ai pas voulu dénaturer l’interprète que j’étais, l’interprète rock que j’étais, et je pense que oui, ce que l’on entend là ressemble peut-être plus à ce que je faisais avec La Chicane, parce que quand tu as un band derrière toi qui te booste, nécessairement, il y a un côté performance qui embarque.

Il faut dire qu’avec ta voix, avec le look que tu avais aussi, les gens s’attendent un peu à ça, à ce que ça garroche.

Ça se peut que j’aie aussi voulu montrer, à travers les derniers albums, que ce n’était pas juste ça. Je pense que le dernier album résume très bien ce que tu viens de me dire. J’ai voulu que les gens apprennent vraiment à me connaître avec ce qui me touchait, pas nécessairement ce que je vis, mais plutôt ce qui me touche. Alors j’ai vraiment l’impression qu’à travers toutes ces tounes-là que j’ai pu écrire au cours des dernières années, quand je me présente sur scène, il y a plus que juste l’aspect du gars performant, du gars qui a une puissance vocale. Aujourd’hui, on a appris que je ressemble plus à ceux qui sont là devant moi qu’à l’idée que l’on peut se faire d’un chanteur et tout ça. Ce n’est pas facile, surtout pour l’industrie. Parce que pour l’industrie, qu’un artiste qui vend des centaines de milliers d’albums soit comme monsieur-tout-le-monde, on dirait que l’on n’aime pas ça.

Justement, comment vivais-tu ça, le phénomène de ‘vedette’ à l’époque de La Chicane, les gens qui pouvaient te regarder comme si tu étais sur un piédestal, du genre ‘Wow! C’est Boom’…

Je n’aimais pas ça. J’avais l’impression d’être un imposteur. J’avais l’impression que les gens me percevaient d’une façon différente de ce que j’étais réellement. Ça n’a pas été si long que ça, mais le fait de comprendre, à un moment donné, qu’il n’y avait rien d’exceptionnel, parce que c’est plus l’image que l’on crée autour de toi, ce que l’industrie représente. Je me suis rendu compte que quand je rencontrais les gens, quand ils me parlaient dans la rue, ils me parlaient comme on parle à un cousin, à un ami, alors je me suis dit ‘Je fais partie de leur gang’, et c’est à partir de ce moment-là que j’ai commencé à vraiment aimer ce métier-là et à faire vraiment les choses que j’avais envie de faire, en pensant à eux et en considérant que ce sont ces personnes-là qui me permettent de le faire. Je me suis toujours concentré sur eux, et ce projet-là, c’est aussi pour eux. Je le sais que l’on a besoin de brasser la cage, je le sais que l’on a envie de les entendre ces tounes-là, comme moi, parce qu’ils me ressemblent, ces personnes-là qui me suivent depuis longtemps.

Comment John Webster s’est-il impliqué à la réalisation de l’album?

John n’est pas ici en ce moment. Il m’a envoyé un mail: sa mère est décédée. Elle avait 93 ans. Pour l’album, John s’est impliqué deux mois. Il a donné deux mois de sa vie. C’est un gars qui est habitué de travailler à Los Angeles, de demeurer dans les plus grands hôtels, de travailler dans les plus grands studios au monde. Il a passé deux mois avec moi, avec ma famille, à coucher dans ma chambre d’amis, à travailler avec mes chums, à faire des chansons. Je te jure, pendant deux mois, ce gars-là, de 10 heures le matin à 3 heures le matin, il a travaillé cet album-là, et ça s’entend. Ce gars-là, on lui a dit ‘Vas-y mon chum’. Il est un des meilleurs au monde pour faire des albums rock. On l’a laissé aller et ça s’entend. Je vais vous dire quelque chose: ça ne sature pas. Tu mets ça dans ton système de son, tu mets ça au fond et ça ne sature pas. On ne sait pas comment il fait.

Effectivement, le clipping que l’on retrouve sur plusieurs albums, on n’en retrouve pas sur Rock le Québec.

Tu peux mettre ça à la planche, ça ne sature pas.

À l’écoute, le résultat est assez impressionnant! Par exemple, si on prend Le picbois, tu lui as redonné une toute autre dose d’énergie.

Elle était rock cette toune-là. Elle était acoustique, mais elle était très rock. À un moment donné, c’est même John qui a dit ‘Ralentis-là, groove-là un peu’. Tout de suite, il a apporté une couleur. On a travaillé un peu comme ça aussi avec Je ne suis qu’une chanson, de Ginette Reno, où l’on a apporté quelque chose de très sensuel.

Je t’avoue que je me demandais ce que cette chanson faisait sur l’album, jusqu’à ce que je l’écoute.

(rires) Ça fait partie de mon univers, cette chanson-là. Ginette Reno, c’est une rockeuse. Elle chante à se défoncer. Elle m’a influencé énormément. Et, encore une fois, ce sont des artistes qui font partie de ce que je suis. C’est l’époque où je n’y étais pas (ndlr: dans le milieu de la musique), ces chansons-là. C’est l’époque où je rêvais de le faire peut-être, où je n’imaginais pas le faire un jour, mais ça me rentrait dedans pareil, comme ça rentrait dans de tout le monde, et on ne les entend pas assez. De faire redécouvrir S.O.S., une chanson que Marie-Mai pourrait chanter, qui serait très actuelle et qui irait chercher les jeunes grunge et tout ça. Il faut dire que je suis fier de ramener des chansons pour les faire redécouvrir.

Dernière question: laquelle a été la plus trippante à faire en studio?

Le plus d’émotions, ce fut Ayoye. Avec Ayoye, j’ai vraiment ressenti que l’on allait ailleurs, que j’étais en train d’offrir une chanson qui était plus personnelle: ce n’était plus un gars qui était en train de dire ‘Ayoye’, c’était la population. J’ai eu un gros feeling dans cette toune-là. J’aimerais que ce soit un single radio, même si tout le monde me dit que c’est impossible, parce que c’est très rassembleur comme chanson. Et la plus le fun, je pourrais vous dire Le train, c’est quelque chose qui est hot. J’aime ça. (rires) Je trouve que le texte, ça vous rentre dedans, la musique… Il y avait quelque chose des Pingouins. Ce n’est peut-être pas une chanson que je vais faire redécouvrir beaucoup, mais encore une fois, on l’amène avec notre saveur et c’était un défi de l’amener un petit peu plus hyper.

J’imagine qu’il y aura une tournée qui va suivre la sortie de l’album?

En ce moment, on a une soixantaine de shows de vendus, parce que l’on avait déjà démarré le projet du All-Stars Band que je voulais créer et dont je parlais depuis longtemps. C’est une grosse tournée. Cet album-là tourne autour de ça, tourne autour d’un All-Stars Band, d’après moi, des meilleurs musiciens rock au Québec. D’ailleurs, ils sont assez connus, je n’ai même pas besoin d’expliquer pourquoi ils sont avec moi. Je pense que déjà, de voir les gars sur la pochette, on comprend l’esprit que le show va avoir, l’énergie qu’il va y avoir autour de ça.

Il ne nous reste plus qu’à attendre que la tournée débute. Pour patienter d’ici là, on a l’album pour se mettre du rock plein les oreilles, et Lebuzz.info vous présente quelques photos du mini-spectacle présenté au Métropolis lors du lancement.

Rock le Québec, le nouvel album de Boom Desjardins sort aujourd’hui
© Entourage – Tous droits réservés

Si le lancement officiel de Rock le Québec, nouvel album de Boom Desjardins, n’a lieu que demain, le 7 octobre, le CD est en vente dès aujourd’hui, 6 octobre. Le musicien a décidé de faire de son nouvel opus, une compilation de succès des années 70, 80 et 90. De plus, des extraits de Rock le Québec sont disponibles, pour écoute, sur le site officiel de Boom Desjardins. Il est d’ailleurs en pleine tournée et sera à Cowansville le 17 octobre prochain, à Venise-en-Québec le 24 octobre, à Ste-Martine le 14 novembre, à Campbellton le 6 novembre et à Donnaconna le 27 novembre.

Rappelons que: «Originaire de Val d’Or dans la région de l’Abitibi-Témiscamingue, Boom Desjardins est un artiste qui a réussi à séduire un large public québecois avec son groupe La Chicane qui fut fondé en 1993. La grande popularité du groupe prend jour en 1999 avec l’immense succès Calvaire, de l’album En Catimini, qui permet au groupe de certifier double platine leur premier album et du même coup fortifier la vente à plus de 200 000 copies. En août 2004, Boom Desjardins tire sa révérence du groupe et entre en studio pour se concentrer à l’enregistrement de son premier album éponyme qui renferme un duo virtuel avec le regretté Gerry Boulet.» Boom Desjardins a vendu plus de 800 000 albums depuis le début de sa carrière.

Photo © Lebuzz.info/Benoit Bisson

Ce nouvel album, fruit d’une première collaboration de Chloé avec GSI Musique, nous arrive quatre ans après Parle-moi. Déjà, en 1999, sur Je pleure, tu pleures, elle interprétait deux pièces en langue innue. Cette fois-ci, c’est tout un album des pièces de Philippe McKenzie et un poème de Joséphine Bacon, qui donne son titre à l’album, Nitshisseniten e tshissenitamin (Je sais que tu sais). Le livret nous permet de découvrir des textes poétiques, intensément humains, touchants. De les entendre touche encore plus. La voix de Chloé sied merveilleusement bien aux textes et aux musiques de Philippe McKenzie, tout comme les arrangements de Réjean Bouchard, même si, à l’occasion, on souhaiterait ne retrouver que voix et percussions, sans autre instrumentation.

Au lancement, Chloé était accompagnée comme toujours de son homme, Gilles Carle, et plusieurs vieux complices étaient aussi présents, notamment François Guy. Question de vous en donner un aperçu, voici quelques photos croquées à l’eXcentris, en attendant – impatiemment! – le plaisir de voir Chloé en spectacle!