Tim Burton et Mia Wasikowska sur le plateau de tournage d’Alice au pays des merveilles
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Ce réalisateur américain, qui a d’ailleurs débuté sa carrière chez Disney, s’est imposé, depuis 1985, comme un créateur inclassable. Ses univers décalés et déjantés ont, depuis 25 ans, frappé l’imaginaire populaire et ce n’est pas un hasard s’il est le président du jury de l’édition 2010 du Festival de Cannes.

Sa dernière œuvre, l’adaptation en 3-D (mais filmée en 2-D) des deux contes de Lewis Carroll, Alice au pays des merveilles et De l’autre côté du miroir, (notre dossier complet en photos – toutes les vidéos – notre première critique) prend l’affiche au Québec et en Amérique du Nord le 5 mars prochain. En quelques questions réponses filmées lors du junket de présentation du film, Tim Burton explique sa démarche et les raisons qui l’ont poussé à passer derrière la caméra pour ce projet d’envergure, au budget de 250 millions de dollars.

Pourquoi vous êtes-vous lancé dans Alice au pays des merveilles?
Dès que Disney m’a approché avec le projet, deux choses m’ont immédiatement séduit. La première: le fait que ce soit Alice au pays des merveilles. Et la deuxième? La 3-D. Quand j’ai entendu ces deux éléments ensemble, un déclic s’est immédiatement produit et mon cerveau a tout de suite fait le lien entre le médium et le contenu. C’est une histoire visuelle qui fait appel à des dimensions spatiales: Alice grandit, rapetisse et j’ai été enthousiaste à l’idée de porter cette histoire au grand écran.

Comment définiriez-vous votre relation avec Johnny Depp?
Quand cela fait longtemps que vous travaillez avec la même personne, le plaisir vient de la surprise et de la nouveauté. C’est une dynamique qui génère sa propre énergie et sa propre fébrilité. Quand je mets côte à côtes tous les personnages [incarnés par Johnny Depp dans mes films], ça me fait beaucoup rire tellement c’est surréaliste! Je ne suis d’ailleurs pas certain du tout que j’aimerais les voir tous en même temps au même endroit.

Comment s’est déroulé le tournage avec Mia Wasikowska?
Il fallait que l’actrice qui incarne Alice possède une gravité. Mia Wasikowska a cette double qualité d’être à la fois une vieille âme et une âme très jeune. Pour moi, c’était un aspect extrêmement important du personnage. Cette dualité est d’ailleurs une caractéristique qui fait que les gens qui la possèdent ne se sentent pas à leur place dans le monde qui les entoure. Chez une adolescente, cela peut se traduire par le fait qu’elle ait l’impression d’avoir 80 ans. Du coup, elle n’est jamais à l’aise avec ses semblables, elle ne se sent bien, ni dans son époque, ni avec des personnes de son âge.

Pourquoi est-ce Avril Lavigne qui interprète la chanson-thème, Alice (Underground)?
Ce qui m’a frappé d’Avril Lavigne est qu’elle avait lu le scénario, vu le film et qu’elle a compris l’esprit de ce que nous avons tenté de faire dans cet Alice au pays des merveilles. Elle a senti qu’Alice est quelqu’un qui intériorise tout et en même temps qui possède une force de caractère peu commune. Alice est forte, équilibrée, belle. Pour moi, Avril Lavigne a recréé la voix d’Alice: forte et grave.

Rappelons qu’Alice au pays des merveilles sort dans les salles nord-américaines le 5 mars prochain. En plus de notre dossier complet et de toutes les vidéos, LeBuzz.Info vous présente, tous les jours jusqu’à la sortie du long métrage, un article ou une entrevue qui explore les différents aspects du film. C’est ainsi que nous avons dévoilé 10 secrets du film et que nous nous sommes intéressés au clip vidéo d’Alice (Underground) la chanson-thème, interprétée par Avril Lavigne. De plus, vous pouvez découvrir notre interview de Mia Wasikowska ici et les explications d’Anne Hathaway figurent ici. De plus, Johnny Depp explique ici son personnage du Chapelier fou.

Johnny Depp incarne le Chapelier fou dans Alice au pays des merveilles
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Avec sa perruque orange, son visage blanc et ses pupilles dilatées ou contractées, Johnny Depp se transforme en Chapelier fou dans le Alice au pays des merveilles (notre dossier complet en photos – toutes les vidéos – notre première critique) de Tim Burton. Ami de l’adolescente, il attend son retour depuis des années et fera tout pour la protéger. Ancien chapelier de la Reine blanche (lire la présentation de son personnage par Anne Hathaway), il a été empoisonné au mercure, un effet secondaire regrettable de sa profession.

«J’ai toujours vu le Chapelier comme un personnage tragique» de confier Johnny Depp lors du junket de présentation du long métrage. «Il est une victime, et ce, de bien des manières. Oui, le mercure n’a pas aidé, mais un événement dramatique de son passé influence beaucoup sa personnalité». Sans trop rien dévoiler de l’intrigue de cette nouvelle version d’Alice au pays des merveilles, Johnny Depp précise: «Je l’ai toujours vu comme quelqu’un d’hyper sensible, qui ne peut cacher ses sentiments et ses émotions».

C’est la septième fois que l’acteur participe à une production de Tim Burton, qu’il considère comme un frère, et les deux hommes ont une telle complicité qu’il aurait été inimaginable de refuser. Mais c’est aussi le personnage du Chapelier fou qui a attiré Johnny Depp, toujours prêt à se métamorphoser au gré de l’imagination de son réalisateur fétiche. «Prendre la vision de Lewis Carroll et l’incorporer à ce que Tim en a fait, tout en y ajoutant ma propre sensibilité est un rêve devenu réalité» déclare-t-il.

Même si la majorité du tournage s’est déroulé devant des écrans verts – un processus que Tim Burton a d’ailleurs trouvé extrêmement épuisant et déroutant -, les acteurs partagent quand même plusieurs séquences. De Mia Wasikowska, qui incarne Alice, et à qui Johnny Depp donne la réplique, l’acteur déclare, en riant: «C’est une extraordinaire petite créature, venue tout droit d’une autre planète!». Précisant sa pensée, il ajoute d’ailleurs qu’elle n’est pas une Alice évidente au premier coup d’œil, mais que la qualité de son jeu en fait «la seule Alice possible».

Rappelons qu’Alice au pays des merveilles sort dans les salles nord-américaines le 5 mars prochain. En plus de notre dossier complet et de toutes les vidéos, LeBuzz.Info vous présente, tous les jours jusqu’à la sortie du long métrage, un article ou une entrevue qui explore les différents aspects du film. C’est ainsi que nous avons dévoilé 10 secrets du film et que nous nous sommes intéressés au clip vidéo d’Alice (Underground) la chanson-thème, interprétée par Avril Lavigne. De plus, vous pouvez découvrir notre interview de Mia Wasikowska ici et les explications d’Anne Hathaway figurent ici. De plus, voici ce que Tim Burton dit de son nouveau film et les réflexions de Johnny Depp sur son personnage du Chapelier fou.

Anne Hathaway incarne la Reine blanche dans Alice au pays des merveilles
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Réalisé par Tim Burton, Alice au pays des merveilles (notre dossier complet en photos – toutes les vidéos – notre première critique) prend l’affiche au Québec et en Amérique du Nord le 5 mars. Dans ce conte, inspiré des deux ouvrages de Lewis Carroll, Alice au pays des merveilles et De l’autre côté du miroir, Anne Hathaway, mise en nomination aux Oscars de l’an dernier pour Rachel Getting Married, prête ses traits à la Reine blanche. Sœur cadette de la terrible Reine de cœur, elle semble toute gentille et toute douce.

Mais c’est loin d’être le cas. «Elle possède les mêmes gênes que la Reine de cœur» précise l’actrice lors d’un questions et réponses fourni par les studios Walt Disney. «Elle est indéniablement attiré par le côté obscur, mais en a bien trop peur pour se laisser aller. C’est pour cette raison qu’elle tente de tout rendre si joli et si agréable».

C’est d’ailleurs le fait que cette réinvention d’Alice au pays des merveilles soit signée par Tim Burton qui a tout de suite plu à Anne Hathaway. «Je l’adore» s’exclame-t-elle, sans cacher une seule seconde qu’elle est une fan du cinéaste. «Dès que l’un de ses films sort en salle, je me précipite au cinéma». En effet, pour la comédienne, «il est extrêmement rare de voir un réalisateur repousser ainsi les limites de son imaginaire». Et, pour donner vie à son personnage, elle s’est immergée dans les films de Greta Garbo, dans la musique de Blondie et n’a pas hésité à prendre des éléments de la personnalité de Norma Desmond, personnage emblématique de Sunset Boulevard.

Car, pour Anne Hathaway, au pays des merveilles – devenu Underworld, le pays souterrain -, «il ne faut pas se fier aux apparences». Comme elle le souligne: «Rien n’est entièrement bon ni entièrement mauvais. C’est un mélange d’actes et d’intentions, un flou avec lequel Tim Burton est parfaitement confortable et dans lequel il excelle en tant que réalisateur». Elle rejoint d’ailleurs ce qu’avait déclaré Johnny Depp lors de la première mondiale du film à Londres (voir notre texte), quand elle ajoute: «Dans cet Alice, le sujet et le cinéaste se complètent l’un l’autre».

La comédienne n’a d’ailleurs aucun doute sur le succès futur du long métrage. «Le monde dépeint dans Alice au pays des merveilles débute et finit dans l’imaginaire de Tim Burton» fait remarquer Anne Hathaway. «Le public ne verra pas un film qui a été tourné dans des décors vus un million de fois. Cet univers ne possède pas de règles préétablies». Et l’actrice de conclure: «Ce qu’on voit à l’écran est une exploration de l’imaginaire, c’est l’essence des romans et c’est ce que Tim Burton a apporté au film».

Rappelons qu’Alice au pays des merveilles sort dans les salles nord-américaines le 5 mars prochain. En plus de notre dossier complet et de toutes les vidéos, LeBuzz.Info vous présente, tous les jours jusqu’à la sortie du long métrage, un article ou une entrevue qui explore les différents aspects du film. C’est ainsi que nous avons dévoilé 10 secrets du film et que nous nous sommes intéressés au clip vidéo d’Alice (Underground) la chanson-thème, interprétée par Avril Lavigne. De plus, vous pouvez découvrir notre interview de Mia Wasikowska ici et les explications d’Anne Hathaway figurent ici. De plus, voici ce que Tim Burton dit de son nouveau film et les réflexions de Johnny Depp sur son personnage du Chapelier fou.

Mia Wasikowska avec le producteur Richard Zanuck pendant le tournage d’Alice au pays des merveilles
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C’est sa gravité et le fait qu’elle ne ressemble pas à une vedette de Hollywood qui a valu à l’actrice australienne quasiment inconnue d’être choisie par Tim Burton pour interpréter son Alice au pays des merveilles (notre dossier complet en photos – toutes les vidéos – notre première critique). Mais, malgré tout le buzz qui entoure le film, la jeune femme de 20 ans, rencontrée par LeBuzz.info lors de son passage à Toronto le mois dernier, garde les pieds sur terre. Car, d’entrée de jeu, elle explique que c’est la psychologie d’Alice Kingsleigh qui l’a séduite.

«Je comprends qu’elle ne soit pas à son aise dans la société, qu’elle ressente la pression d’avoir à se conformer à des règles» indique Mia Wasikowska. Car, pour la comédienne, «un acteur donne toujours un peu de lui-même aux personnages qu’il interprète». C’est d’ailleurs parce qu’elle possède des points communs avec Alice qu’elle a immédiatement compris l’héroïne de ce conte et les sentiments qu’elle éprouve. «Je me suis toujours sentie empotée quand j’étais adolescente et j’aime le message de cette histoire, la façon dont Alice devient elle-même pendant son séjour au pays des merveilles» ajoute-t-elle.

Parfaitement consciente des difficultés à incarner un personnage mythique, créé par Lewis Carroll et dont les aventures ont été publiées en 1895 avant d’être adaptées maintes et maintes fois pour le cinéma et la télévision, Mia Wasikowska a pris la seule décision qui s’imposait. «Tout le monde pense savoir qui Alice est, et il est impossible de faire plaisir à tous. Il a donc fallu que je la fasse mienne». Son travail a été facilité par la manière qu’a Tim Burton de diriger ses acteurs, «en leur faisant confiance et en étant d’une simplicité extraordinaire» dit-elle à LeBuzz.info. «Le public a énormément d’attentes, mais cette pression ne m’atteint que si je l’y autorise» précise-t-elle, indiquant que c’est cette attitude qui lui évite de redouter la sortie d’Alice au pays des merveilles en salle.

Elle n’hésite pas, par contre, à avouer que les nombreuses scènes tournées devant des écrans verts, ces green screens sur lesquels sont ajoutés, en post production, les différents éléments générés par ordinateur comme les décors ou les personnages, lui ont posé quelques difficultés. «On perd tout point de repère» explique-t-elle. Elle décrit sa démarche comme «un acte de foi» puisqu’elle ne pouvait que se conformer aux indications de Tim Burton. «J’éprouve un immense respect pour le travail de Tim et nous étions tous deux, dès le début, en accord complet sur le personnage», autant d’éléments qui ont permis à Mia Wasikowska d’avoir une entière confiance en son metteur en scène.

Si elle a commencé sa carrière dans un téléfilm australien et qu’elle n’a que 20 ans, Mia Wasikowska a déjà tourné avec des cinéastes de renom. Pour Edward Zwick, elle devient Chaya Dziencielsky dans Defiance et donne la réplique à Daniel Craig et à Liev Schreiber. Dans Amelia, long métrage de Mira Nair – elle nous indique d’ailleurs que Monsoon Wedding est l’un de ses films préférés – avec Hilary Swank et Richard Gere, elle se transforme en Elinor Smith. Elle sera l’actrice principale du prochain film de Gus Van Sant avant d’incarner Jane Eyre dans la production du même nom de Cary Fukunaga.

Le plaisir qu’elle prend à tourner dans des productions à petit ou moyen budget, comparé à celui de participer à des blockbusters comme Alice au pays des merveilles, est complètement différent. Chaque film répond à des besoins spécifiques, Mia Wasikowska choisissant ses rôles en fonction de l’ensemble de la production. «J’aime les projets qui remettent en question, et pas seulement pour moi en tant qu’actrice, mais aussi pour le public» déclare-t-elle. Mais elle n’a nullement l’intention, malgré sa feuille de route pour le moins impressionnante, de tomber dans le piège le plus courant pour les jeunes actrices. «Je ne suis pas pressée» confie-t-elle à LeBuzz.info. «Je suis très heureuse d’avoir tourné avec Mira Nair ou Gus Van Sant. Je ne veux pas tout faire en même temps, je veux choisir de bons rôles».

Rappelons qu’Alice au pays des merveilles sort dans les salles nord-américaines le 5 mars prochain. En plus de notre dossier complet et de toutes les vidéos, LeBuzz.Info vous présente, tous les jours jusqu’à la sortie du long métrage, un article ou une entrevue qui explore les différents aspects du film. C’est ainsi que nous avons dévoilé 10 secrets du film et que nous nous sommes intéressés au clip vidéo d’Alice (Underground) la chanson-thème, interprétée par Avril Lavigne. De plus, vous pouvez découvrir notre interview de Mia Wasikowska ici et les explications d’Anne Hathaway figurent ici. De plus, voici ce que Tim Burton dit de son nouveau film et les réflexions de Johnny Depp sur son personnage du Chapelier fou.

Avril Lavigne dans le clip vidéo d’Alice (Underground)
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Pour le clip vidéo de la chanson Alice (Underground), Avril Lavigne a créé elle-même la robe victorienne de satin noir qu’elle y porte. «J’évolue dans mon propre décor, qui ressemble au pays des merveilles» dit la chanteuse, décrivant le clip (qui figure ci-contre, à droite) de la chanson thème d’Alice au pays des merveilles (notre dossier complet en photos – toutes les vidéos – notre première critique), film de Tim Burton.

Elle est entraînée dans la forêt par un lapin blanc, qui la conduit jusqu’au fameux terrier… dans lequel, comme Alice, elle tombe. «Quand je me réveille, je me retrouve dans le pays des merveilles et je commence alors à courir». De nombreux éléments visuels du film de Tim Burton ont été utilisés dans le clip, pour assurer une continuité avec le long métrage.

«Nous avons recréé la scène du thé et nous nous sommes d’ailleurs servi de plusieurs des accessoires du film» ajoute-t-elle. Et aux curieux qui se demandent si Johnny Depp a participé au tournage du clip d’Alice (Underground), la réponse est non. Des séquences du long métrage ont été ajoutées, mais c’est une doublure «habillée comme le Chapelier fou» qui apparaît dans la vidéo.

Et bien sûr, dans la plus pure tradition des studios Disney, la chanson titre de la trame sonore d’Alice au pays des merveilles comporte un message. Avril Lavigne le définit d’ailleurs ainsi: «Quoi qu’il puisse arriver dans la vie, l’important est de demeurer fort, car il y a toujours une manière de s’en sortir».

Rappelons qu’Alice au pays des merveilles sort dans les salles nord-américaines le 5 mars prochain. En plus de notre dossier complet et de toutes les vidéos, LeBuzz.Info vous présente, tous les jours jusqu’à la sortie du long métrage, un article ou une entrevue qui explore les différents aspects du film. C’est ainsi que nous avons dévoilé 10 secrets du film et que nous nous sommes intéressés au clip vidéo d’Alice (Underground) la chanson-thème, interprétée par Avril Lavigne. De plus, vous pouvez découvrir notre interview de Mia Wasikowska ici et les explications d’Anne Hathaway figurent ici. De plus, voici ce que Tim Burton dit de son nouveau film et les réflexions de Johnny Depp sur son personnage du Chapelier fou.

Éric-Emmanuel Schmitt et Michèle Laroque sur le plateau de tournage d’Oscar et la dame rose
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Oscar et la dame rose (notre dossier – notre critique), roman paru en 2002 puis adapté en pièce de théâtre, raconte l’histoire d’un garçonnet de 10 ans, atteint d’une leucémie et qui se sait condamné. Si le livre est présenté sous forme de lettres écrites à Dieu par le petit Oscar, la version montée pour les planches est un récit fait par la dame rose. Or, pour l’adaptation au grand écran, Éric-Emmanuel Schmitt n’a eu d’autre choix que de donner un visage à Oscar, élément qu’il redoutait depuis plusieurs années.

Le film est sorti en Europe en décembre dernier, mais il ne prend l’affiche au Québec que vendredi, le 26 février. Amir Ben Abdelmoumen, Benoît Brière et Eric-Emmanuel Schmitt ont d’ailleurs entrepris une mini tournée du Québec afin de présenter le long métrage dans plusieurs villes de la province. Nous avons eu la possibilité de nous entretenir avec Éric-Emmanuel Schmitt avant son passage à Montréal. Et l’auteur, dramaturge et cinéaste nous livre le parcours de cette histoire, qu’il porte en lui depuis toujours.

LeBuzz.Info: Qu’est-ce qui vous a finalement convaincu de porter Oscar et la dame rose au grand écran?
Éric-Emmanuel Schmitt: Mon grand souci était de trouver cet enfant qui pourrait incarner Oscar. Ensuite, le déclic a été de me dire que je devais raconter, dans le film, quelque chose que je n’avais pu montrer dans le livre: la manière dont la dame rose est devenue la dame rose. La question qui m’intéressait était de savoir comment un être normal, égoïste, peut développer de la générosité, être attentif aux autres pour, finalement, devenir bénévole. J’ai donc montré une femme, rencontrant un enfant qui la voit comme une belle personne, qui va devenir la belle personne que l’enfant voit.

Est-ce pour cela que vous avez décidé de rajeunir le personnage de la dame rose, interprété par Michèle Laroque?
Dans le roman on ne savait rien d’elle, puisque le roman est raconté par l’enfant. Oscar ne nous dit pas comment elle est devenue comme ça ni si elle a toujours été ainsi. Le roman est donc écrit d’un point de vue subjectif. Or, la caméra, elle, est objective, c’est-à-dire qu’elle suit deux personnages: Oscar, là je me conforme totalement au livre, et la dame rose, dont on ne sait rien. Le film m’a donc permis de compléter le personnage, de voir comment cette femme égoïste et speedée est devenue une bénévole qui s’occupe d’enfants malades. Le film permet de raconter quelque chose de plus et de montrer la dame rose avant la dame rose. D’où le parti-pris du rajeunissement, afin de la rendre plus complexe qu’elle ne l’est dans le livre. Dans le roman, la dame rose est tout de suite parfaite. Dans le film, Oscar la voit immédiatement comme une personne vraiment bien, comme une femme généreuse, apte à passer du temps avec lui et à s’occuper de lui. Il n’a pas de doute là-dessus. Or, ce n’est pas ce qu’elle est, mais ce qu’elle va devenir… parce que cet enfant à vu ça en elle, avec raison d’ailleurs.

Pourquoi ce sujet vous touche-t-il particulièrement?
Il y a plusieurs raisons. Tout d’abord, j’ai une amie dame rose, que j’ai accompagnée à plusieurs reprises. Ensuite, depuis la publication de ce livre, j’aide le plus possible les dames roses, j’essaie d’encourager les vocations, d’inciter les gens à devenir berceurs ou berceuses, c’est-à-dire à aller raconter des histoires aux gens qui sont malades. Autrement, il y a des souvenirs personnels… Enfant, j’ai beaucoup fréquenté les hôpitaux pour enfants malades, pas parce que j’étais malade mais parce que mon père était kinésithérapeute. Il soignait les enfants malades, les enfants hémato cérébraux, les enfants sourds, et m’emmenait avec lui. Pendant toute mon enfance, j’ai donc passé mes samedis après-midis dans des hôpitaux. Et cela a, évidemment, complètement changé ma vision du monde. C’est-à-dire que pour moi, la maladie est normale, c’est la bonne santé qui est bizarre. Après, à l’âge adulte, j’ai dû accompagner des gens dans la maladie et la mort. De plus, à un moment de ma vie, j’ai été moi-même très malade. Quand on m’a annoncé que j’étais guéri, j’ai trouvé ça totalement indécent: je quittais l’hôpital et certains y restaient parce qu’ils ne guériraient pas. Je me suis alors dit que ce qui est important, c’est d’être capable d’être malade, c’est-à-dire d’être capable d’affronter la condition humaine, savoir qu’on est faible, qu’on est fragile, qu’on est mortel. Et quand on sait ça, on est plus humain, on savoure plus ce qu’il y a à savourer. On est aussi plus humain avec les autres. Donc, au fond, penser à ces choses là ne me déprime pas du tout. Au contraire, cela nourrit ma joie de vivre, mon énergie, l’amour des autres, vous voyez… [Rires]. Au fond je n’ai pas peur de ce qui fait peur. Penser à ma fragilité me rend meilleur, plus humain et plus vivant.

Donc, en schématisant, vous êtes un optimiste?
Non… je suis lucide. [Rires]

Les séquences de catch imaginaires ne sont pas sans rappeler Terry Gilliam, c’est à dire que c’est un délire familier…
J’aime bien que vous disiez «familier». Je pense qu’elles touchent à des archétypes d’enfance, comme par exemple, «la tigresse», qui est la grosse qui ne peut pas bouger. Le burlesque a, à mon avis, un rapport très intime avec l’imagination de l’enfance. Quand on voit du Buster Keaton ou du Charlie Chaplin, c’est l’enfant qui rit en nous.

On sent une attention très particulière aux couleurs dans le film. J’imagine que c’est voulu, n’est-ce-pas?
Oui, j’ai une vraie passion pour ça! C’était important pour moi d’avoir des univers chromatiques derrière l’univers totalement sursaturé des matches de catch et de faire en sorte que tous les jours à l’hôpital ne se ressemblent pas, puisqu’Oscar «vieillit» de 10 ans par jour. Il fallait donc qu’il y ait les couleurs de la jeunesse, les couleurs de la maturité ainsi que la déchromatisation du grand âge. Nous avions un code de couleur très précis que tout le monde suivait, de l’accessoiriste au costumier, en passant par le décorateur. Si vous regardez la chambre d’Oscar, par exemple, vous remarquerez que sa lampe de chevet change de couleur tous les jours, ce qui est d’ailleurs un cauchemar pour le script! [Rires] En fait, on est au même endroit, mais les couleurs changent parce que l’enfant est d’une humeur différente.

Est-ce pour cela qu’on ne voit pas la maladie d’Oscar, qu’il n’y a pas d’équipement médical?
Nous avions un conseiller médical sur le plateau. C’est lui qui m’a indiqué que, quand un enfant n’a plus de chance de survie, on enlève tout et on le laisse vivre, c’est-à-dire qu’on ne l’embête pas avec une médicalisation excessive. Il y avait aussi le fait que je voulais que le film ressemble à un conte moderne, je ne voulais donc jamais le situer dans le temps avec des objets technologiques. On ne sait pas si on est en 2000, dans les années 1960, 1970, 1980. J’essaie de brouiller les codes des instruments, des costumes, des voitures, etc.

J’imagine qu’il y a eu des scènes qui ont dû être beaucoup plus difficiles à tourner que d’autres?
Oui. Il y a eu des scènes pendant lesquelles il fallait tout simplement qu’on évite de se regarder, Michèle Laroque, le reste de l’équipe et moi, autrement, on fondait en larmes. Mais les enfants nous remettaient d’aplomb. C’est très curieux. Dans ces scènes là, nous, les adultes, nous ne savions plus ce qui était du jeu d’acteur alors que les enfants avaient parfaitement conscience, eux, de jouer. Le regard des enfants et des adolescents sur la maladie et la mort n’est pas le même que le regard des adultes. Il y a, dans le film Oscar et la dame rose un message à la fois pour les adultes et un message pour les enfants.

Quel est la différence entre le message pour les adultes et celui pour les enfants?
C’est une bonne question, on ne me l’a jamais posée! [Rires] Je crois que cette histoire n’a pas du tout la même fonction pour un adulte et pour un enfant. Elle satisfait les enfants parce que le héros est un enfant, parce qu’il est digne, drôle et intelligent jusqu’au bout et qu’il ne pleure pas. Donc les enfants s’identifient à Oscar et deviennent le héros. Ils sont également heureux d’entendre enfin parler d’un sujet que personne n’aborde avec eux, c’est-à-dire la maladie et la mort. Les adultes arrivent devant cette histoire avec leur propre passé. Certains peuvent être en refus du sujet; certains sont, ce que je respecte complètement, plein de larmes. Pour les adultes, c’est finalement la légèreté avec laquelle les choses sont abordées, la fantaisie, qui finit par les soulager. Les adultes reçoivent un message qui est: «Soyons lucides, amusons-nous et regardons la vie en face.»

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Renan Luce est de passage au Québec pour nous présenter son nouvel album, Le clan des Miros, et donner trois spectacles, un à Québec ce soir, le 22 février, au Cabaret du Capitole de Québec, à 20 heures et deux à Montréal, les 24 et 25 février, à La Tulipe, aussi à 20 heures.

Il a beau n’avoir que 29 ans (30 le 5 mars prochain), Renan Luce s’est vite retrouvé comparé à Brassens, sans doute à cause de l’apparente facilité qu’il a à manier les mots et les mélodies, à nous créer dans ses chansons des histoires et des personnages. En le rencontrant, on retrouve d’autres caractéristiques à la Brassens. Il est réservé, d’allure timide. Attentif aussi, et sympathique, très sympathique.

Mais bon, assez de bla-bla! Laissons parler le principal intéressé. Et, tel que promis la semaine dernière, nous lui avons posé une des questions que nous ont laissé ses fans. C’est la question de Kelly qu’il a choisie. Bonne écoute!

Laurent Tirard sur le plateau de tournage du Petit Nicolas
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Adaptation de l’œuvre de René Goscinny et Jean-Jacques Sempé, Le Petit Nicolas (notre dossier en photos et en vidéos) est présenté ce soir à Montréal en avant-première dans le cadre du Festival International du Film pour Enfants de Montréal (FIFEM). Le film de Laurent Tirard avec Maxime Godart, Valérie Lemercier, Kad Merad et Sandrine Kiberlain prend l’affiche vendredi, le 19 février dans toutes les salles du Québec. Par ailleurs, toutes les vidéos du film figurent ci-contre, à droite.

C’est avec son complice Grégoire Vigneron que Laurent Tirard a développé le scénario du film, auquel «Alain Chabat a ensuite ajouté sa touche» pour être finalement approuvé par Anne Goscinny. La fille de René Goscinny, «présente depuis le début du processus» indique le réalisateur à LeBuzz.Info, «était la garante du respect de l’œuvre». Car Le Petit Nicolas est sorti en France l’an dernier, année du cinquantenaire de la parution des premières aventures du petit écolier dissipé.

Pour Laurent Tirard, l’universalité du Petit Nicolas tient à plusieurs facteurs. «Déjà, à l’époque de sa création, il était démodé puisque Sempé et Goscinny l’ont écrit en pensant à leur enfance qui datait des années 1930» rappelle-t-il en soulignant la présence, dès le début, «de ce décalage étrange» du jeune héros. Car l’univers des œuvres est celui d’un «conte, irréel, où n’existent ni chômage, ni divorce, ni violence». La clé de l’actualité du Petit Nicolas est dans le ton même du récit. «Les enfants et les adultes de l’époque s’y retrouvaient, comme c’est le cas aujourd’hui». Le cinéaste a d’ailleurs projeté son long métrage dans des écoles de banlieue parisienne et, loin de dérouter les jeunes, le film les a rejoint. «Les enfants sont fascinés et se retrouvent dans les personnages. Sempé et Goscinny ont réussi, avec Le Petit Nicolas, à toucher l’essence même de l’enfance» explique Laurent Tirard.

Le pari de proposer un film familial et minimaliste, en pleine ruée de Hollywood vers le 3-D et les effets spéciaux, peut paraître risqué. Or, dès le début du projet, Laurent Tirard s’est donné comme objectif de réaliser «un long métrage comme ceux qui me faisaient rêver quand j’étais enfant». Il souligne donc la parenté du Petit Nicolas avec des productions de Jacques Tati ou de Louis de Funès. Et ce souci s’est également traduit dans les effets spéciaux qui émaillent le film. Ainsi qu’il le précise: «Je voulais qu’ils soient créés de la même manière que ce qui se faisait dans les années cinquante et soixante, c’est à dire à l’ancienne». Un élément qui, pour le metteur en scène, «faisait partie du charme du film», mais qui se situe aussi totalement à contre-courant d’un Avatar! Car, pour Laurent Tirard, qui se définit «comme un grand défenseur du classicisme», «la modernité procure un plaisir immédiat, mais le classicisme perdure».

La distribution…
C’est Valérie Lemercier qui s’est tout de suite imposée au cinéaste, et ce dès la rédaction du scénario. Or la comédienne, qui venait de terminer le tournage d’Agathe Cléry, n’avait pas envie de se retrouver si tôt devant une caméra. Et Laurent Tirard a du user de tout son charme pour la convaincre! «Oui, c’est vrai que je lui ai un peu menti» avoue-t-il, en riant. «Je lui ai dit que ce serait un tournage très court, qu’elle allait se détendre et qu’elle s’amuserait». Mais c’est «d’abord et avant tout le fait que ce soit Le Petit Nicolas» qui lui a fait accepter ce rôle de la mère du héros.

Parallèlement, le choix des acteurs secondaires a obéi à un souci de continuité. C’est ainsi que Le Petit Nicolas comprend des prestations de Daniel Prévost, Michel Galabru ou Anémone, acteurs qui «ne sont pas inaccessibles». Leur présence à l’écran «était importante pour moi» de nous confier Laurent Tirard. «Ce sont des acteurs que j’ai vu dans des films quand j’étais enfant ou adolescent. Symboliquement, je voulais boucler une boucle» conclut le réalisateur.

Rappelons que Le Petit Nicolas est l’adaptation cinématographique des aventures du petit écolier crée par René Goscinny et Jean-Jacques Sempé en 1959. Le film met en vedette Valérie Lemercier, Kad Merad, Sandrine Kiberlain et, pour la première fois au grand écran, le jeune Maxime Godart. Le Petit Nicolas sort dans les salles du Québec le 19 février et le FIFEM (site officiel) se tiendra pendant la semaine de relâche du 27 février au 7 mars 2010, au Cinéma Beaubien.

La grande Sophie
Photo © Vincent Alvarez

Je vous ferai grâce de la présentation traditionnelle (je vous file quelques liens pertinents en fin d’article si vous êtes en manque de notes biographiques). Même si elle a lancé son dernier album, Des vagues et des ruisseaux, il y a près d’un an en France et que l’on pouvait l’obtenir en import, Universal Music vient finalement de le lancer au Québec, distribué par Dep. Alors, pour tous ceux qui évitent les bacs import et les prix plus élevés, plus de raisons de vous priver de cet excellent album!

Pour ceux qui la connaissent déjà, Des vagues et des ruisseaux les surprendra peut-être. À peu près tous les médias Français ont louangé l’album, le qualifiant de «l’album de la maturité». Je peux comprendre pourquoi, même si je trouve que ça laisse sous-entendre que ses albums précédents l’étaient moins, ce que je ne suis pas prêt à dire. Je trouve plutôt qu’il s’agit d’un changement de registre, de ton. Certes, on y découvre une facette moins rock, des textes plus personnels, mais je dirais qu’il s’agit tout autant de la suite d’un parcours musical, tout simplement. Que l’on pense, ici, à Lavoie ou Piché, ou encore, en France, à Cabrel.

Ce qui ne change pas, c’est la présence scénique de la grande Sophie, son contact avec le public. Elle n’est pas de ceux qui reproduisent, soir après soir, les pièces d’albums comme des métronomes. Autant l’ordre des pièces bouge, évolue au fil des tournées, autant les chansons dégagent une toute autre énergie. Pas étonnant qu’elle compte sur une légion de fans fidèles en France! Elle se produira en spectacle ce soir à l’Astral, à Montréal, et le 16 février au Cabaret du Capitole à Québec, devant un public comprenant, entre autres, des promoteurs de spectacles et propriétaires de salles. On ne peut qu’espérer qu’ils sauront nous concocter une véritable tournée québécoise pour la grande Sophie.

Nous faisons, tranquillement – et encore un peu maladroitement, vous nous en excuserez – l’intégration de la vidéo pour nos entrevues. Et quoi de mieux pour une grande première que la grande Sophie? Très sympathique (ça, on s’en doutait juste à voir les entrevues déjà sur le Web) et généreuse. Elle nous a fait le plaisir de deux chansons (je vous laisse la surprise de découvrir lesquelles en écoutant la vidéo) acoustiques, tirées de Des vagues et des ruisseaux.

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Benicio Del Toro devient loup-garou dans The Wolfman
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Dans The Wolfman (notre dossier spécial en photos et en vidéos – notre critique), Benicio Del Toro – qui est aussi producteur du long métrage – incarne un homme exilé qui revient chez lui à la recherche de son frère. Le film, présenté sous le titre Le loup-garou en version française au Québec, est un remake de The Wolf Man, sorti en 1941 et dans lequel l’acteur Lon Chaney, Jr. incarnait le monstre. Pour l’ensemble de l’équipe de production, il était essentiel de respecter l’œuvre originale et de ne pas trahir l’esprit qui l’habitait. «Nous voulions honorer le premier long métrage, même si nous avons ajouté ou modifié certains éléments» précise, d’entrée de jeu, le producteur Scott Stuber. «The Wolf Man a un statut de film culte tout simplement parce que le loup-garou existe en chacun de nous. Tout le monde ressent de la rage, tout le monde est déjà allé trop loin». Et le producteur d’ajouter: «Nous avons tous quelque chose de primal en nous et il nous faut absolument le contrôler, sinon, nous sommes maudits».

Le maquillage, une œuvre de précision
Un seul homme pouvait, selon l’équipe de production, donner au monstre l’apparence voulue: Rick Baker. Ce maquilleur a d’ailleurs été récipiendaire de six Oscars pour sa participation à des films tels que How the Grinch Stole Christmas, Men in Black, Ed Wood, et… An American Werewolf in London! «Je voulais que le maquillage de Benicio Del Toro soit un hommage à Jack Pierce [NDLR: le créateur du look de The Wolf Man en 1941]. Et j’espère que Jack, où qu’il soit, me dira que j’ai fait du bon travail!» confie Rick Baker. L’équipe en charge du maquillage et des différents effets visuels a donc imaginé une tête de loup-garou découpée en plusieurs parties et constituée du front et du nez, d’un menton, d’une perruque et d’une barbe et, bien sûr, de fausses dents. Comme le souligne Joe Johnston, le réalisateur, «ce n’est pas un masque, ce qui a permis à Benicio Del Toro de pouvoir bouger son visage et exprimer des émotions».

Car il était hors de question d’utiliser, dans ces séquences, du CGI (effets spéciaux par ordinateur) qui auraient donné au personnage du loup-garou une apparence factice. «Les techniques utilisées dans The Wolfman sont beaucoup moins avancées que celles dont je m’étais servi pour An American Werewolf in London, film auquel j’ai pourtant collaboré il y a plus de 15 ans» révèle Rick Baker. «Je me suis longtemps demandé si le public actuel, plus jeune, ne serait pas dérouté par le fait que nous avions choisi de présenter un acteur grimé plutôt qu’une créature générée par ordinateur». Mais le maquilleur est non seulement satisfait de ce qu’il a vu à l’écran, mais pense que le principe plaira au public en raison du fait que «les spectateurs établiront une connexion avec un bon acteur, ce qui est impossible avec un monstre virtuel».

Un acteur motivé
Afin d’être certain du résultat, Rick Baker a testé son maquillage sur lui-même, avant de l’appliquer à Benicio Del Toro. Mais, même en accélérant le processus au maximum, l’acteur a passé trois heures par jour à se faire transformer en loup-garou. «Je voyais ma métamorphose et j’avais l’air de plus en plus terrifiant» se souvient Benicio Del Toro lors du junket de présentation du film. «J’ai adoré le fait de tourner les séquences en monstre. Dès que je bougeais, j’avais deux ou trois personnes de l’équipe du maquillage qui étaient prêtes à rajouter du sang» ajoute l’acteur. Il ne cache pas, par contre, que cela a été difficile par moments: «Il fallait que je boive avec une paille, ou j’enlève mes fausses dents dès que je voulais parler»!

Benicio Del Toro a mis du temps à se familiariser avec le maquillage et le costume du loup-garou. «J’ai appris à bouger avec tout ce harnachement sur le dos» confie-t-il, «c’était tellement serré qu’il me fallait accentuer tous mes gestes et mes expressions». C’est ainsi qu’il devait écarquiller les yeux pour donner l’impression de les ouvrir normalement. Et, dès qu’il quittait ses habits et son grimage de Wolfman, «j’étais couvert de sueur! Chaque scène était un véritable exercice physique».

Rappelons que The Wolfman prend l’affiche dans toutes les salles du Québec le 12 février prochain. Le film de Joe Johnston met en vedette Benicio Del Toro, Emily Blunt et Anthony Hopkins. Si vous voulez découvrir toutes les vidéos, les bandes-annonces et les extraits du film, ainsi que les photos, rendez-vous sur la page de notre dossier spécial.