Le synopsis officiel de Lucidité passagère nous le résume comme suit: «Véronique ne cache rien en amour. Mathieu est simplement un brin fatigué. Fred peut s’adapter à tous les genres de femmes. Rémi doit trouver ce qui l’allume dans la vie. Ce n’est que dans de brefs instants de lucidité que l’on parvient à voir le monde tel qu’il est.

Des histoires naissent en parallèle: des gens «normaux» qui vivent une existence ordinaire. Des couples se forment, d’autres se disloquent, des amis se confrontent… Puis, des croisements surviennent, les quêtes s’opposent, les secrets se révèlent. Les petits drames de la vie contemporaine côtoient les grands. Et il y a l’art pour sublimer tout ça.

Ping‐pong relationnel voyageant du comique au tragique sur un ton toujours réaliste, ce film choral, adapté d’une pièce de théâtre, est une incursion dans l’intimité de jeunes adultes urbains qui pataugent dans l’incertitude à un moment charnière de leur existence. Tôt ou tard, ce que l’on fuit nous rattrape. La réalité frappe alors comme un coup de poing sur la gueule. Pourquoi faut‐il attendre la crise pour vivre pleinement?»

Toujours à partir du dossier de presse, voici ce que l’on nous dit des réalisateurs: «Lucidité passagère est mis en scène par quatre jeunes réalisateurs pour qui il s’agit d’une première incursion dans le long métrage. Chacun a dirigé une des trames narratives qui éventuellement s’entrecroisent. Cependant, il ne s’agit pas d’un film à sketches, le quatuor ayant supervisé de concert l’ensemble des étapes de fabrication, depuis l’écriture jusqu’à la finition. Ils signent ici un premier film organique de facture soignée et à la mise en scène inspirée.

Par le passé, Nicolas Bolduc, Fabrice Barrilliet, Julien Knafo et Marie Hélène Panisset ont travaillé ensemble sur des messages publicitaires, des vidéoclips ainsi que sur des projets de fiction, s’échangeant les postes artistiques clés dans une sorte de jeu de chaise musicale. Surtout, ils ont collaboré sur des courts métrages autoproduits et réalisés chaque fois par l’un d’entre eux, qui se sont illustrés dans des festivals à travers le monde. Avec ce premier long métrage, c’est la première fois cependant qu’ils partagent réellement le fauteuil du réalisateur.»

On pourrait penser, en voyant qu’il y a quatre réalisateurs, qu’il s’agit d’un film a sketches, du genre de If These Walls Could Talk ou encore Cosmos. Pourtant, il n’en est rien. Lucidité passagère a tout d’abord vu le jour sous forme d’une pièce de théâtre écrite par Martin Thibaudeau et George Spiridakis. Si la pièce est le point d’origine du film, il ne s’agit pas d’une simple transposition au grand écran. Il y a eu un important travail de réécriture, question justement d’avoir un scénario cinématographique plutôt que de nous servir quelque chose équivalant à une pièce filmée.

Lucidité passagère arrive sur les écrans du Québec, en diffusion limitée à 12 salles, à compter du 19 mars prochain. À Montréal, on pourra le voir au Cinéma Beaubien (2396, rue Beaubien Est). Reste à souhaiter que les grandes chaînes de cinémas embarquent et décident de le projeter: il en vaut vraiment la peine.

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L’affiche américaine de Green Zone
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Après les deux dernières aventures de Jason Bourne, Matt Damon et le réalisateur Paul Greengrass refont équipe. Green Zone (notre critique), un mélange de thriller et de film d’action, prend l’affiche au Québec et en Amérique du Nord le 12 mars prochain. En France, il sort dans les salles de cinéma le 14 avril 2010. Toutes les photos du film sont présentées à la fin de cet article, qui dévoile les secrets de production du long métrage dont le titre, au Québec, est La zone verte. La bande-annonce (en version originale et en version française pour le Québec) se trouve ci-contre, à droite, de même que les extraits du film. De surcroît, nous vous présentons une featurette vidéo, c’est à dire un mini documentaire sur la production, dans laquelle les acteurs et le réalisateur dévoilent plusieurs éléments du long métrage.

Nous sommes en 2003. L’adjudant-chef Roy Miller (Matt Damon) et son équipe d’inspecteurs ont été envoyés dans le désert irakien par leurs commandants, afin de trouver des armes de destruction massive (ADM) qui y seraient dissimulées. Les militaires cherchent activement, se déplaçant de sites piégés en caches diverses, mais ne mettent à jour aucune arme chimique. À la place, ils découvrent une gigantesque opération de désinformation. Roy Miller se met alors en quête de la vérité, mais les renseignements qu’il obtient pourraient, soit blanchir le régime en place, soit d’intensifier la guerre qui fait rage.

Pour écrire le scénario de Green Zone, Paul Greengrass s’est tourné vers Brian Helgeland. On retrouve cet auteur au générique de films tels que Salt (avec Angelina Jolie qui sort cet été), ou encore Man on Fire. Les deux hommes ont décidé de s’inspirer de l’ouvrage Imperial Life in the Emerald City: Inside Iraq’s Green Zone, écrit par le journaliste Rajiv Chandrasekaran. La «green zone», ou zone verte en français, est une référence à la zone de Bagdad placée sous contrôle international.

Paul Greengrass se défend d’avoir voulu réaliser un film sur la guerre d’Irak. «C’est un thriller qui se déroule dans ce pays, ce qui est complètement différent» dit-il. «À mon avis, les suspens sont meilleurs quand ils se déroulent dans des situations qui posent des problèmes moraux.» Et, pour incarner Roy Miller, le personnage principal de Green Zone, le cinéaste a choisi Matt Damon, avec qui il a déjà travaillé dans The Bourne Ultimatum (2007) et The Bourne Supremacy (2004).

Greg Kinnear incarne le personnage de Clark Poundstone, qui deviendra l’ennemi de Roy Miller. L’acteur a du s’adapter au style unique de mise en scène de Paul Greengrass, qui demande à ses acteurs d’improviser devant la caméra. «Matt Damon m’a expliqué comment le tournage se déroulerait» explique Greg Kinnear, «c’est un énorme changement par rapport aux plateaux habituels. Et, au fur et à mesure qu’on s’y familiarise, on s’aperçoit que c’est beaucoup plus intéressant et amusant.»

Pour jouer les rôles des soldats de l’unité MET D, qui traquent les ADM, Paul Greengrass a choisi de faire appel à des vétérans de la guerre du Golfe. «Le fait d’avoir de vrais soldats», confie le réalisateur, «nous a permis de faire un film extrêmement réaliste. Cela a aussi donné aux acteurs l’impression qu’ils vivaient l’action.» Matt Damon précise d’ailleurs qu’il a apprécié cet élément. «Cela a grandement facilité mon travail. Les soldats n’avaient pas à faire semblant, ils agissaient comme dans la ‘vraie vie’. Et ça, pas un seul acteur ne peut le faire.»

Le tournage a duré cinq mois et s’est déroulé en Espagne, en Angleterre et au Maroc. C’est ainsi que les scènes du palais de Saddam Hussein ou de l’état major des services secrets irakiens ont été filmées dans la base militaire de Los Alcázares, en Espagne.

La plupart des séquences extérieures ont été tournées au Maroc. C’est près de Rabat, capitale du pays, que l’équipe de production a passé sept semaines à filmer. La petite ville de Kenitra a servi de décor à l’une des caches d’armes de destruction massive. Et cette scène a d’ailleurs nécessité la présence de 200 figurants sur le plateau.

PHOTOS: © Universal Pictures Canada – Tous droits réservés – Reproduites avec autorisation
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Green Zone – La zone verte au Québec

Date de sortie: 12 mars au Québec, 14 avril en France

Interprètes: Matt Damon, Greg Kinnear, Brendan Gleeson, Amy Ryan, Khalid Abdalla, Jason Isaacs

Réalisateur: Paul Greengrass

Scénario: Brian Helgeland

Budget: 110 millions de dollars

Site officiel: en anglais

L’affiche québécoise de Oscar et la dame rose
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Adaptation du roman du même nom, Oscar et la dame rose (notre critique) a été porté à l’écran par son auteur, Éric-Emmanuel Schmitt, qui en signe également le scénario. Si le long métrage est sorti en Europe le 9 décembre dernier, il arrive dans les salles du Québec le 26 février prochain. Toutes les vidéos sont présentées ci-contre, à droite et les photos sont à la fin de ce dossier. À noter que le synopsis et l’entrevue de Michèle Laroque sont des éléments qui figurent dans le dossier de presse d’Oscar et la dame rose.

Pour obtenir plus de renseignements sur le film, lisez notre entrevue d’Éric-Emmanuel Schmitt et voyez la première Montréalaise d’Oscar et la dame rose en vidéo.

Oscar, garçon de dix ans, vit à l’hôpital. Ni les médecins ni ses parents n’osent lui parler de l’imparable vérité. Seule Rose, venue livrer ses pizzas à l’hôpital, communique avec l’enfant sans détour. Rose propose un jeu à Oscar : chaque journée qu’il vivra comptera pour dix ans, elle lui offre ainsi une vie entière en quelques jours. Une amitié singulière naît entre Oscar et Rose. Tous deux sont loin d’imaginer à quel point cette complicité va bouleverser leur destin.

Éric-Emmanuel Schmitt dit avoir écrit l’adaptation d’Oscar et la dame rose pour vous. Vous le saviez?
Oui. Eric‐Emmanuel m’a proposé le personnage avant même qu’il n’en écrive l’adaptation, il m’a dit que le choix était évident pour lui, j’ai alors immédiatement eu une confiance totale en lui. Comme j’avais lu le livre, j’ai dit «oui» sans même savoir précisément ce que le personnage pouvait devenir, si ce n’est qu’il voulait le rajeunir. Pouvoir jouer un tel rôle est l’un des plus beaux cadeaux que l’on puisse faire à une actrice.

Avez-vous eu une appréhension au moment de lire le scénario?
Non. Je n’ai eu aucun doute. Il y a trop de choses magiques qui se sont passées depuis le début sur ce film. J’ai d’ailleurs eu la même impression en le découvrant pour la première fois. Oscar est sublime, il vient de je ne sais quelle planète.

Comment avez-vous abordé le personnage de la dame rose?
Comme une enfant curieuse qui s’adresse à un autre enfant. Lors de sa première rencontre avec Oscar, il lui dit qu’il a passé la matinée dans un placard et elle lui répond : «Et c’était bien?». Il n’y a pas un adulte qui réagisse comme ça. C’est très important de garder la part d’enfance qui est en nous, ça dédramatise les choses et ça permet d’avancer dans la vie d’une façon extrêmement ludique et heureuse.

Quand on doit jouer un personnage confronté à des situations aussi fortes, est-ce facile d’être juste, de ne pas trop en faire?
À partir du moment où l’on ressent de vraies émotions, et que cela est sincère, on ne peut pas se tromper. C’est vrai avec n’importe quel type d’émotions, que ce soit les rires ou les larmes. Je suis une actrice de comédie et tous les acteurs de comédie ont beaucoup de pudeur donc il n’y a pas le souci d’aller trop loin dans l’émotion ou de s’y complaire. En plus Eric‐Emmanuel a une approche du sujet qui est extrêmement apaisante, légère, aérienne même.

Comment s’est déroulé le tournage ?
Je n’ai pas eu l’impression d’avoir grand‐chose à faire. Tout était évident. En général, lorsque l’on joue un personnage qui doit ressentir des émotions, on doit travailler, et aller les chercher. Là, j’ai passé mon temps à les réfréner.

Comment s’est passée la rencontre avec Amir ?
On a fait un petit essai… La scène de la chorale où il me présente tous les enfants du service, il a été tout de suite parfait. Quand on lui demandait de faire quelque chose de différent, il le faisait immédiatement. Il comprend tout. Je n’avais qu’à répondre, qu’à réagir et c’était juste. C’est facile d’être en face de lui: on ne joue pas, on est! C’est une vraie histoire d’amour avec Amir. Il y a quelque chose de très fort entre nous, même si on se voit moins maintenant. Je sais que j’ai vécu une expérience intense en tournant ce film, pas seulement en tant qu’actrice. C’est l’aventure humaine que nous avons vécue qui me reste quand je vois Oscar et la dame rose.

Quel metteur en scène est Éric-Emmanuel Schmitt ?
Il est très confiant, très calme, très doux… Il est aussi très pointu : il sait exactement ce qu’il veut mais en même temps, il sait écouter et recevoir. J’en parlais avec le décorateur, Jean‐Jacques Gernolle, qui me disait: «C’est fou l’espace qu’il nous a laissé malgré tout». C’est son sujet, il le connaît parfaitement, il a écrit ce livre, il en a rêvé mais il n’avait aucune crainte, il ne nous communiquait aucun stress, aucune tension. Lorsque parfois, il y avait des contresens sur des répliques, Éric‐Emmanuel nous expliquait d’une manière admirable, comme peu de réalisateurs savent le faire, comment rectifier le tir.

Est-ce que l’on redescend sur terre quand on se retrouve à jouer une scène face à un enfant mourant?
Et bien justement non! Les dialogues étant extrêmement apaisants, ça allège tout, ça enlève les peurs qu’on peut avoir. Ce que Rose dit à cet enfant, c’est aussi une façon de se rassurer elle‐même. Cette sagesse fait que l’on n’est pas du tout dans le pathos, dans l’idée que se font les gens de la mort et de la maladie. C’est un film extrêmement rassurant.

Est-ce que l’enfant qui est en vous s’est amusé à jouer une catcheuse?
Oui bien sûr! On dirait une bande dessinée. L’ancien metteur en scène du Cirque du Soleil a travaillé sur ces scènes et a fait des merveilles.

Mais n’était-ce pas finalement les plus difficiles à jouer à cause des contraintes techniques?
C’est sûr. On était enfermé dans un studio au Canada, c’était long, il faisait ‐30 degrés dehors! Ce qui était drôle en revanche, c’était de porter ces costumes, d’être face à des acrobates extraordinaires. Je trouve ça génial.

Quelle est votre réaction après avoir vu le film ?
Cette rencontre avec ce personnage est unique dans une vie d’actrice. Oscar et la dame rose est un film porteur d’un message apaisant, léger, qui enlève les peurs et rend heureux. Et s’il y a une chose qui me rend heureuse dans la vie en général, c’est de faire passer des messages comme ça.

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Oscar et la dame rose

Date de sortie: 26 février au Québec

Interprètes: Michèle Laroque, Amir Benabdelmoumen, Mylène Demongeot, Max von Sydow, Benoît Brière

Réalisateur: Éric-Emmanuel Schmitt

Scénario: Éric-Emmanuel Schmitt

Budget: n/d

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L’affiche américaine de The Crazies
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Réalisé par Breck Eisner, The Crazies est présenté dans les salles de cinéma du Québec et d’Amérique du Nord le 26 février. Ce film d’horreur met en vedette Timothy Olyphant, Radha Mitchell, Danielle Panabaker et Joe Anderson et le scénario est l’œuvre de Scott Kosar (The Amityville Horror, The Texas Chainsaw Massacre) et Ray Wright (Pulse, Case 39). Toutes les photos sont présentées ci-dessous, à la fin du dossier, tandis que les bandes-annonces du film – en version originale et en version française pour le Québec – figurent ci-contre, à droite.

Les habitants d’une petite ville du Midwest américain commencent brutalement à éprouver des envies de meurtre et de violence. C’est que les réserves d’eau de la municipalité ont été empoisonnées par une toxine mystérieuse, qui transforme les résidents les plus calmes en psychopathes assoiffés de sang. Afin de tenter de contenir cette épidémie, l’armée met la ville en quarantaine et empêche quiconque d’en sortir ou d’y entrer.

Le sheriff David Dutton (Timothy Olyphant), Judy (Radha Mitchell), sa femme enceinte, Becca (Danielle Panabaker), assistante à l’hôpital et Russell (Joe Anderson), le bras droit du policier, se retrouvent prisonnier de cette ville autrefois idyllique. Incapables de faire confiance à leurs voisins et anciens amis, le groupe se voit dans l’obligation de se serrer les coudes pour tenter de survivre à ce cauchemar.

Les 10 secrets de production de The Crazies
- Ce long métrage est un remake du film d’horreur du même titre de George Romero, sorti en 1973. Ray Wright et Scott Kosar ont adapté le scénario original sans voir le film. Ils ne l’ont visionné qu’après avoir terminé leur premier brouillon.
- Le réalisateur Breck Eisner a été impliqué dès le début du projet, c’est à dire au moment de l’écriture du script. C’est sous son impulsion que bon nombre des situations ont été remises au goût du jour. Au total, plus de six versions du scénario ont été rédigées et l’histoire est maintenant racontée du point de vue de David et Judy (Timothy Olyphant et Radha Mitchell) et non plus de celui de l’armée.
- Le virus se propage dans la petite ville en trois jours. Ainsi que le précise Brian Frankish, producteur associé de The Crazies: «Ça ressemble à l’Apocalypse, aux émeutes de Los Angeles ou à La Nouvelle-Orléans après Katrina».
- Pour Timothy Olyphant, The Crazies n’est pas un simple film d’horreur. L’acteur explique que les longs métrages de George Romero comportent un message, qu’on retrouve aussi dans ce remake. «Il s’intéressait à des sujets brûlants de l’époque, comme la guerre du Vietnam. Nous nous retrouvons aujourd’hui dans une situation semblable, prenant part à une guerre qui divise le pays».
- Dès le début, Breck Eisner savait qu’il voulait que Timothy Olyphant incarne le personnage principal de David Dutton. «Nous lui avons envoyé le scénario et il a immédiatement accepté» de confier le réalisateur.
- Le rôle de Becca, tenu par Danielle Panabaker, a été rendu plus important après que l’actrice ait accepté de le jouer. «Nous avons décidé d’en faire un personnage mieux défini ; Danielle est tellement bonne actrice» souligne Breck Eisner.
- Le virus, dont le nom est Trixie, ne transforme pas les gens en zombies. Son effet est plus terrifiant, chaque personne atteinte réagissant différemment. Robert Hall, de la compagnie Almost Human, et chargé du maquillage, a passé des heures à effectuer des recherches pour que cette maladie soit la plus proche possible de la réalité. «Tant que nous pouvions expliquer certains symptômes de manière médicale, nous avions carte blanche» raconte-t-il.
- Les prothèses utilisées par l’équipe du maquillage ont été créées pour chaque acteur, étape essentielle pour obtenir le niveau de détail souhaité par Breck Eisner.
- L’équipe de production a parcouru le Canada et les États-Unis pour trouver la ville dans laquelle serait tournée The Crazies. Le choix s’est finalement porté sur deux localités, les municipalités de Perry, en Géorgie et de Lenox, en Iowa.
- Les scènes d’extérieur ont été tournées à Lenox, une ville de 1200 habitants. Pendant leur séjour, les 170 personnes de l’équipe de production ont du composer avec 70 chambres d’hôtel de la petite bourgade!

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The Crazies – Les détraqués au Québec

Date de sortie: 26 février au Québec, 12 mai en France

Interprètes: Timothy Olyphant, Radha Mitchell, Danielle Panabaker, Joe Anderson

Réalisateur: Breck Eisner

Scénario: Scott Kosar, Ray Wright

Budget: 12 millions de dollars

Site officiel: en anglais

L’affiche québécoise de Flics en service
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Cop Out, présenté en version française au Québec sous le titre Flics en service est une comédie réalisée par Kevin Smith (Zach and Miri Make a Porno). À l’affiche de ce film, une distribution inhabituelle qui comprend Bruce Willis et Tracy Morgan, mais aussi Adam Brody, Kevin Pollak, Guillermo Diaz, Ana de la Reguera et Seann William Scott. Toutes les photos se trouvent ci-dessous, à la fin de ce dossier, tandis que les vidéos sont présentées ci-contre, à droite.

Cop Out suit deux flics de la police de New York qui sont à la recherche d’une carte de baseball de prix. Le problème, c’est qu’ils sont pourchassés par un gangster hyper violent, collectionneur obsédé. Et, comme un ennui ne vient jamais seul, il doivent aussi sauver une jeune mexicaine, qui est en possession des codes d’accès à des comptes de banque à l’étranger, dans lesquels se trouvent plusieurs millions de dollars, et qui a été témoin d’un meurtre. Car Jimmy Monroe (Bruce Willis) a un besoin pressant d’argent pour payer le mariage de sa fille. Mais Paul Hodges (Tracy Morgan) est obsédé par les infidélités de sa femme, ce qui le rend plutôt distrait pendant toute cette enquête.

10 choses à savoir de Cop Out
- C’est le premier film que réalise Kevin Smith dont il n’a pas écrit le scénario. Le cinéaste atypique avoue d’ailleurs s’«être inspiré des films d’Abbott et Costello… en y ajoutant des armes».
- Bruce Willis et Tracy Morgan ont tous deux été attirés par ce film en raison des éléments comiques. De plus, Bruce Willis avait déjà travaillé avec Kevin Smith dans l’un des longs métrages de la franchise Die Hard et le producteur Michael Tadross a aussi fait partie de l’équipe.
- Seann William Scott, qui incarne un dealer de drogue auquel vont s’adresser les deux flics, est, pour Kevin Smith «un Bugs Bunny moderne».
- Cop Out a été entièrement tourné à New York, dans les quartiers de Brooklyn et Queens. Pour Michael Shaw, designer de production, le défi a été de suivre les instructions de Kevin Smith à la lettre. «Il voulait que tout soit le plus réel possible» explique-t-il. «Cela rend mon travail extrêmement difficile parce que tout doit être invisible».
- Pour créer les costumes des gangsters, l’équipe a fait appel à des policiers, spécialisés dans les gangs de rue. «Nous avons contacté des enquêteurs de New York», raconte la costumière Juliet Polcsa. «Ils sont venus nous faire une présentation en Powerpoint sur les différents groupes de hors-la-loi de la ville et nous expliquer leurs particularités vestimentaires».
- L’une des séquences les plus difficiles à tourner a été celle dans laquelle Tracy Morgan porte un costume de téléphone cellulaire. L’équipe devait s’assurer que l’acteur puisse bouger sans avoir trop chaud. De plus, comme il est attaqué par un pitbull pendant cette scène, la costumière a du ajouter des manches protectrices au costume.
- Mark Cullen et Robb Cullen ont écrit le scénario du film. Ainsi que le soulignent les deux frères: «Nous avons passé des heures à parler à des policiers new-yorkais. Nous voulions que l’action et les éléments comiques se tiennent».
- Afin de faire de Cop Out une comédie la plus drôle possible, Kevin Smith a demandé à ses acteurs d’improviser bon nombre de leurs répliques. Et Bruce Willis et Tracy Morgan se sont tellement bien entendus que l’acteur de films d’action n’a eu aucun mal à répliquer spontanément aux dialogues de l’humoriste.
- C’est l’actrice Michelle Trachtenberg (qu’on connaît pour son rôle dans la télésérie Gossip Girl) qui incarne le rôle de la fille de Bruce Willis.
- Au départ, quand les studios Warner se sont intéressés au projet en 2008, Robin Williams et James Gandolfini devaient tenir les deux rôles principaux.

PHOTOS: © Warner Bros. Canada – Tous droits réservés – Reproduites avec autorisation
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Cop Out – Flics en service au Québec, Top Cops en France

Date de sortie: 26 février au Québec, 23 juin en France

Interprètes: Bruce Willis, Tracy Morgan, Adam Brody, Kevin Pollak, Guillermo Diaz, Ana de la Reguera, Seann William Scott, Michelle Trachtenberg

Réalisateur: Kevin Smith

Scénario: Mark Cullen, Robb Cullen

Budget: n/d

Site officiel: en anglais

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Nous sommes en 1954, au plus fort de la Guerre froide, lorsque le U.S. Marshal Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) et son nouveau partenaire Chuck Aule (Mark Ruffalo) doivent se rendre à Shutter Island pour enquêter sur la disparition peu plausible d’une brillante meurtrière d’une chambre fermée à clef de l’impénétrable hôpital Ashecliffe. Entourés de psychiatres curieux et de patients qui sont de dangereux psychopathes sur l’île isolée et balayée par le vent, ils arrivent dans une atmosphère étrange et volatile qui laisse à penser que rien n’est comme il y paraît.

Pendant qu’un ouragan s’approche de l’île, l’enquête progresse rapidement. Toutefois, alors que la tempête prend de l’ampleur, les doutes et les mystères se multiplient, tous plus excitants et terrifiants les uns que les autres. Il y a bien des indices de sombres conspirations, d’expériences médicales sordides, de contrôle psychologique répressif, d’aile secrète, et peut-être même une touche de surnaturel, mais il n’y a aucune preuve. Frayant son chemin dans les ombres d’un hôpital hanté par les terribles actes de ses occupants et les agendas secrets de ses médecins tout aussi ingénieux, Teddy commence à pressentir que plus il approfondira son enquête, plus il sera forcé de confronter certaines de ses peurs les plus profondes et les plus dévastatrices. Et il réalise qu’il pourrait ne jamais quitter l’île vivant.

Dès le début de la production, Martin Scorsese a organisé pour la distribution et l’équipe du film des soirées de projection de films touchant aux thèmes et aux styles que l’on retrouve dans Shutter Island. Parmi les films présentés, on retrouve Laura, d’Otto Preminger; le film noir de Jacques Tourneur, datant de 1947, Out of the Past; le thriller d’Edward Dmytryk – aussi de 1947 – Crossfire; le drame policier de 1952 par Nicholas Ray, Dangerous Ground; la première réalisation de Karl Malden, datant de 1957, Time Limit; The Trial, film d’Orson Welles de 1963, adaptation d’une histoire surréaliste de Franz Kafka à propos d’un homme détenu de façon inexpliquée pour un crime que l’on ne connaît pas; les documentaires du temps de guerre de John Huston San Pietro et Let There Be Light; des films d’horreur influents, dont The Haunting de Robert Wise et The Innocents de Jack Clayton; plusieurs films de Jack Clayton qui ont contribué à l’appréciation de Scorsese des films d’horreur, dont The Seventh Victim. Enfin, un documentaire incontournable a été inclus dans les projections: Titicut Follies, de Frederick Wiseman, datant de 1967, film controversé et, à une certaine époque, banni explore le traitement des prisonniers dans un hôpital pour les fous criminels.

Ben Kingsley, qui interprète le rôle du Dr Cawley, a particulièrement apprécié l’interaction entre les autres membres de la distribution dont il brosse un portrait sommaire: «Leonardo est à l’étape Hamlet de sa carrière et ce rôle lui donne une occasion unique de montrer toute la profondeur dont il est capable. Mark Ruffalo rayonne d’affection et de loyauté; Michelle Williams a une superbe et touchante vulnérabilité; Emily Mortimer est exquise, comme un oiseau battant des ailes contre une fenêtre; Patricia Clarkson a un tel calme et une telle intelligence, et Max von Sydow, avec son imposante autorité, est magnifique. Marty les a mis en place comme un peintre, plaçant une couleur à côté d’une autre pour un effet remarquable. Quel emballant projet dans lequel s’impliquer!»

Après de longues recherches, l’équipe a finalement trouvé l’endroit qui allait, pour les besoins du film, devenir Ashecliffe Hospital: Medfield State Hospital, à Medfield, au Massachusetts, un établissement fermé depuis les années ‘50, mais qui n’a jamais été rénové ou transformé depuis.Toutefois, comme le souligne le designer de production, Dante Ferretti, «Je dirais que nous avons bâti 60% de ce que vous voyez à Medfield à partir de rien. Nous avons même construit le cimetière d’Ashecliffe, un élément essentiel de l’intrique.»

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Shutter Island

Date de sortie: 19 février au Québec, 24 février en France

Interprètes: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams, Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Max von Sydow.

Réalisateur: Martin Scorsese

Scénario: Laeta Kalogridis, d’après le roman de Dennis Lehane

Durée: 2h18

Site officiel: en anglais

© Les Films Séville – Tous droits réservés

Le Petit Nicolas (notre critique) mène une existence paisible. Il a des parents qui l’aiment, une bande de chouettes copains avec lesquels il s’amuse bien, et il n’a pas du tout envie que ça change… Mais un jour, Nicolas surprend une conversation entre ses parents qui lui laisse penser que sa mère est enceinte. Il panique alors et imagine le pire: bientôt un petit frère sera là, qui prendra tellement de place que ses parents ne s’occuperont plus de lui, et qu’ils finiront même par l’abandonner dans la forêt comme le Petit Poucet…

À lire également: notre entrevue du cinéaste

Comment le projet est-il né?
Les producteurs Marc Missonnier et Olivier Delbosc avaient dans l’idée d’adapter Le Petit Nicolas et pensaient que j’étais la bonne personne pour le faire. Ils m’ont contacté. Il ne s’agit donc pas d’un projet que je portais en moi. Il m’est cependant apparu comme une évidence. J’ai grandi avec Le Petit Nicolas. Je l’ai lu lorsque j’étais adolescent. Cette œuvre me correspond et me parle. J’ai immédiatement su à quoi ressemblerait le film.

Quels étaient vos liens avec Le Petit Nicolas?
Avec son côté très universel dans lequel chacun peut se retrouver, il m’a renvoyé à ma propre enfance – même s’il ne s’agit pas des mêmes années. Il me faisait rire, mais avec une certaine nostalgie. J’aimais bien le second degré – un niveau pour les enfants, un niveau pour les plus grands. On y trouve aussi une certaine poésie. La scène où Nicolas décide de quitter la maison la nuit avec son baluchon m’a parlé – j’ai moi-même projeté de le faire! J’ai même parcouru quelques mètres! Par la suite, elle est devenue une référence pour moi, et lorsque j’étais en colère, je menaçais de partir avec ma valise, et je reprenais le discours du Petit Nicolas: «Je reviendrai un jour avec des tas d’argent et tout le monde sera bien embêté!». C’était une façon de me tourner en dérision tout en me rattachant à ce moment d’enfance.

Comment expliquez-vous que le tandem Goscinny-Sempé soit aussi universel?
Il est difficile d’expliquer par des mots pourquoi une oeuvre comme celle-là sonne aussi juste, comment Sempé et Goscinny ont su à ce point toucher une corde sensible. C’est le propre d’un artiste, car il est en connexion avec quelque chose de l’inconscient collectif. Ils ont su capter un parfum, une musique qui s’échappe du livre pour toucher le lecteur. C’est l’enfance, et chacun se reconnaît dans ce mélange d’ironie et de poésie, ce regard à la fois à hauteur d’enfant et à hauteur d’adulte. Quand Spielberg fait un film avec des enfants, il arrive à se mettre à leur hauteur. J’ai
beaucoup regardé ses films pour essayer de comprendre comment il fait car il ne s’agit pas uniquement de mettre physiquement la caméra à hauteur d’enfant, mais de raconter à leur hauteur tout en étant adulte et en parlant aux adultes.

Le Petit Nicolas a été créé dans les années 50. Comment avez-vous mis en valeur le côté universel et complètement intemporel?
Dater Le Petit Nicolas est impossible! Il a été créé dans les années 50 mais les enfants le lisent encore aujourd’hui. Paradoxalement, nous avons été frappés par le fait que, même dans les années 50, le monde décrit dans Le Petit Nicolas n’existait pas! Aujourd’hui, en le lisant, on se dit que «c’était bien à cette époque».

Mais quand on le lit vraiment, il n’est jamais question de chômage, de criminalité, les parents ne divorcent pas, la société est stable et tout y est à sa place. C’est une société idéale. On n’est donc pas dans la réalité, ni celle des années 50 ni celle d’aujourd’hui. Nous sommes dans un conte. Partant du principe que Le Petit Nicolas est un conte, il fallait le situer dans le passé, dans un monde qui n’existe pas.

Pour les enfants d’aujourd’hui, ce conte pourrait se dérouler aussi bien au Moyen Age que dans l’espace. Nous avions ainsi une certaine liberté pour le situer aux alentours de 1958, date de création de Mon Oncle de Jacques Tati – une des références du film – et date proche aussi de la création du Petit Nicolas. Mais si une voiture date de 1961, ce n’est pas important. Ce qui compte, c’est le parfum du passé, une réalité née de l’imaginaire collectif et de l’image d’une certaine France des Trente Glorieuses.

Comment avez-vous choisi vos interprètes?
Le premier enjeu était bien évidemment le choix des enfants. Le Petit Nicolas est avant tout une histoire d’enfants Nous avons donc procédé à un casting très important et vu énormément d’enfants dont beaucoup n’avaient encore jamais fait de cinéma. Ils étaient d’ailleurs les plus intéressants et je me suis rendu compte qu’un enfant est très vite «corrompu», en tout cas il comprend très vite les choses. Sur le tournage, il était sidérant de voir à quel point, au bout de trois jours, les enfants demandaient eux-mêmes un raccord coiffure ou maquillage! Ils savent parfaitement
attendrir les adultes et certains d’entre eux arrivaient pour le casting en déployant des sommets dans l’art de la séduction et de la pose! Dès lors, toute fraîcheur et toute innocence étaient perdues. Mais globalement, le choix des principaux enfants n’a pas été difficile. Par contre, j’avais peur de savoir s’ils seraient capables de jouer devant une caméra car j’avais choisi «une bouille», une personnalité, en faisant le pari qu’ils seraient réellement à l’aise sur un plateau. Je n’avais jamais tourné avec des enfants et tout cela était pour moi terra incognita. Au final, je les trouve
incroyables ! Ce sont des acteurs.

La ressemblance physique de Maxime Godart avec le personnage était troublante. Sa détermination à être acteur également! A neuf ans, il a une vision très claire de la place qu’il veut avoir dans la société, de ce qu’il veut faire de sa vie. Avec sa personnalité extravertie, je pensais qu’il n’aurait pas peur devant la caméra. Or, il s’est produit l’inverse. Le premier jour, lorsqu’un énorme bras de grue avec une caméra s’est approché de lui pour un premier tour de manivelle, il était pétrifié! Chez Maxime, plus encore que chez les autres enfants, l’envie et le plaisir de jouer étaient formidables. Jamais il n’a donné le moindre signe de fatigue ni manifesté le besoin d’arrêter.

Nous avons écrit le personnage de la mère pour Valérie Lemercier, avec l’angoisse qu’elle puisse refuser. D’ailleurs, quand je l’ai contactée, elle sortait du très long tournage d’Agathe Cléry et n’avait pas vraiment envie de tourner. Il a fallu la convaincre. Je lui ai sincèrement expliqué pourquoi sa participation était essentielle pour moi.

J’avais été impressionné par Kad Merad dans Je vais bien, ne t’en fais pas où il incarnait parfaitement un «type normal»! Le succès de Bienvenue chez les cht’tis l’a confirmé, une majorité de spectateurs se reconnaît en lui. C’est ce qu’il fallait pour le père de Nicolas. C’est un cadre moyen qui va à son travail tous les matins, qui a un peu peur de son patron et qui rêve d’une augmentation. Avec Kad, j’ai beaucoup parlé de ma référence pour son personnage: Jean-Pierre, le mari de Ma sorcière bien-aimée. Personnage un peu veule, ambitieux aussi mais qui se fait toujours dominer par sa femme. En même temps, il fallait lui apporter une fantaisie et une vraie tendresse. En travaillant avec Grégoire, nous nous sommes souvent dit que la mère avait deux enfants à la maison: le Petit Nicolas et son père ! Kad était parfait parce qu’il a encore beaucoup d’enfance en lui.

La maîtresse est comme une deuxième maman pour les enfants. Elle devait donc être très douce et je la voyais comme une grande émotive. Elle est souvent dépassée, par les enfants qu’elle adore et vis-à-vis desquels elle doit pourtant faire preuve d’autorité, et par le directeur de l’école. Sandrine Kiberlain, avec ses grands yeux bleus, dégage cette douceur. Elle a l’art de faire passer ses émotions très subtilement, juste par un regard ou une façon de bouger. Elle est l’actrice qu’il me fallait pour le genre de comédie que je souhaitais réaliser.

J’avais été impressionné par François-Xavier Demaison sur scène et j’avais envie de travailler avec lui. A l’instinct, je sentais qu’avec lui le Bouillon fonctionnerait bien. Il a, du Bouillon, le côté un peu rond, mais il peut aussi jouer l’autorité.

Des acteurs comme Daniel Prévost, Michel Galabru, Anémone ou Michel Duchaussoy ont nourri le cinéma que je regardais étant enfant, et j’avais envie de travailler avec eux sur le film. Avec ces comédiens, au-delà de leur talent et de ce qu’ils apportent, je redevenais enfant.

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Le Petit Nicolas

Date de sortie: 19 février au Québec

Interprètes: Valérie Lemercier, Kad Merad, Sandrine Kiberlain, François-Xavier Demaison, Michel Duchaussoy, Daniel Prévost, Michel Galabru, Anémone, François Damiens, Louise Bourgoin.

Réalisateur: Laurent Tirard

Scénario: Laurent Tirard et Grégoire Vigneron, d’après l’oeuvre de René Goscinny
et Jean-Jacques Sempé

Site officiel: Le Petit Nicolas

Céline Dion, René Angélil et René-Charles
© Sony – Tous droits réservés

Le documentaire Céline: Autour du monde sera présenté dans les salles de cinéma de la province pendant quatre jours, les 17, 18, 20 et 21 février, en version originale et en version originale sous-titrée. Filmé et réalisé par Stéphane Laporte, le documentaire dure deux heures et inclut des séquences filmées pendant les concerts de la chanteuse, de même que des moments privilégiés avec René Angélil et leur fils, René-Charles captés par la caméra du réalisateur. «Cette tournée mondiale est particulière, puisque Céline l’a effectuée en compagnie de son mari, son fils de huit ans, sa mère et d’autres membres de sa famille» de souligner le promoteur.

Présentant ce documentaire, Stéphane Laporte souligne qu’«après avoir parcouru le monde avec Céline, je peux affirmer qu’il n’y a aucune interprète comme elle». Il précise: «Elle est une artiste consommée, et pas seulement parce qu’elle donne aux fans le meilleur d’elle-même, mais parce qu’elle était déterminée à faire ce film». De ce fait, Céline Dion et sa famille ont laissé un accès total à l’équipe de tournage pendant l’année qu’a duré cette tournée mondiale. Et, selon Sony, avec les images de spectacles entrecoupées d’images d’arrière-scène, les fans auront la chance de vraiment connaître Céline, sa famille et son équipe en plus des fans qu’elle rencontre et pour lesquels elle performe à travers le monde.

Pour Céline Dion, cette expérience a été une première, puisque la chanteuse n’avait jamais laissé une équipe de cameramen la suivre ainsi. «Ce fut une tournée mondiale sensationnelle» explique la chanteuse qui, depuis le début de sa carrière a reçu plus de 1000 récompenses, dont cinq Grammys. «Ce film s’avère être beaucoup plus que de simples images de spectacles» précise-t-elle. «J’ai permis aux caméras de me suivre partout. Des hauts et des bas, ce sont des images vraiment très personnelles». Et, fière du résultat, Céline Dion déclare: «C’est définitivement le portrait le plus intime jamais partagé avec mes fans».

Rappelons que Céline: Autour du monde prend l’affiche le 17 février prochain. Pour connaître les cinémas présentant le documentaire, veuillez consulter ce texte. Par ailleurs, le prix des billets de ce long métrage d’une durée de deux heures a été fixé à 15$ et il ne restera à l’affiche que pendant quatre jours. Si les 15 photos se trouvent ci-dessous, les vidéos, elles, sont incluses dans la colonne de droite, ci-dessus. Vous y trouverez la bande-annonce en version anglaise et en version française, un extrait inédit de Céline Dion interprétant All By Myself, ainsi qu’un regard en coulisses de l’un de ses concerts alors qu’elle se prépare à monter sur scène.

PHOTOS: © Sony – Tous droits réservés – Reproduites avec autorisation
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L’affiche américaine de Percy Jackson et les Olympiens: Le voleur de foudre
©20th Century Fox – Tous droits réservés

La date de sortie de Percy Jackson et les Olympiens: Le voleur de foudre au Québec et en Amérique du Nord a été fixée au 12 février prochain. Adaptation de la série de cinq romans de Rick Riordan, le long métrage a été réalisé par Chris Columbus, le cinéaste derrière deux des Harry Potter). La distribution est impressionnante et on y trouve, en plus de Logan Lerman, Brandon T. Jackson et Alexandra Daddario, les acteurs Catherine Keener, Kevin McKidd, Sean Bean, Rosario Dawson, Pierce Brosnan, Steve Coogan et Uma Thurman. Les photos du film se trouvent toutes à la fin de cet article, de même que le lien vers le site officiel. Les amateurs de vidéos peuvent visionner les deux bandes-annonces ainsi que huit extraits (tous en version originale) dans la colonne, ci-contre, à droite.

C’est en racontant des histoires à son fils pour l’endormir que l’écrivain Rick Riordan – et ancien professeur de mythologie grecque – a inventé le personnage de Percy Jackson. Immédiatement, dès qu’il a été question d’en porter le premier tome au grand écran, le réalisateur Chris Columbus a été séduit par le projet. Mais, comme le souligne le producteur Michael Barnathan, «il était impossible de tout rendre au cinéma. Et nous avons choisi, par exemple, de vieillir les personnages». C’est ainsi que le jeune héros Percy Jackson, qui a 12 ans dans la série de romans, en a 17 au cinéma.

C’est en voyant le jeune Logan Lerman dans 3:10 to Yuma que Chris Columbus a décidé de lui donner le rôle de Percy Jackson. «Je n’ai véritablement réalisé que j’avais décroché ce rôle que quand je suis arrivé sur le plateau de tournage à Vancouver» explique le jeune homme. «L’équipe avait tout reconstruit, le Parthénon, le Metropolitan Museum of Art (MET), l’Olympe… c’était vraiment impressionnant!». Le scénario du film se déroule de nos jours, alors que les douze dieux de l’Olympe, rassemblés au 600ème étage de l’Empire State Building à New York, ont décidé de créer une nouvelle race d’hommes, les demi-dieux.

«Les Dieux contrôlent le monde secrètement» d’expliquer Logan Lerman en parlant du monde dans lequel évolue Percy Jackson. «Mais ils sont aussi en guerre les uns contre les autres, à cause du fait que la foudre divine de Zeus, son pouvoir le plus puissant, a été volé». Les soupçons se portent rapidement sur Percy Jackson, adolescent de 17 ans, qui est le fils d’un Dieu. «Il n’a aucune idée de qui il est» de préciser Logan Lerman. «Et, soudainement, il se retrouve mêlé à cette histoire parce que tout le monde essaye de le tuer pour récupérer la foudre».

Du coup, afin de prouver son innocence et éviter une guerre dévastatrice entre les dieux, Percy se lance dans une odyssée à travers le continent à la recherche du voleur de foudre. «C’est un film épique!» s’exclame le jeune acteur. Mais, au-delà des aventures que vit Percy Jackson, «il veut sauver sa mère» explique le comédien. «Pour lui, c’est beaucoup plus important que de sauver le monde», car notre héros découvre bien rapidement que sa mère est vivante et qu’elle est retenue par Hadès, le Dieu des enfers. «C’est, à mon avis, ce qui le rend capable de traverser le pays et de se mesurer à des créatures comme l’Hydre et Méduse» ajoute Logan Lerman.

Un tournage de rêve
À 18 ans, Logan Lerman a tourné dans 10 films, Percy Jackson et les Olympiens: Le voleur de foudre étant le 11e. Récemment, on a pu le voir dans Gamer, aux côtés de Gerard Butler, film de science-fiction dans lequel il incarne Simon, le joueur qui contrôle le personnage de Kable. Et, fort de cette expérience cinématographique, l’acteur affirme: «Le tournage de Percy Jackson a été le plus agréable de toute ma vie». En effet, il a été «gâté, pourri» par Chris Columbus. «C’est un charme que de travailler avec lui» indique-t-il en louant la gentillesse de tous les acteurs qui figurent au générique du film. «Percy Jackson a été génial à tourner».

Logan Lerman a également été ravi de pouvoir travailler avec Pierce Brosnan. «Quand j’ai appris qu’il jouait, j’étais aux anges. J’adore James Bond, c’est le personnage le plus cool!» confie-t-il en ajoutant que la présence d’Uma Thurman, de Kevin McKidd, de Sean Bean ou encore de Rosario Dawson au générique a été un plus. «Cela a été un honneur que de travailler avec eux» déclare Logan Lerman. «Leur présence a rendu le tournage tellement plus facile et j’ai appris tellement d’eux tous!» conclut-il.

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Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief – Percy Jackson et les Olympiens: Le voleur de foudre au Québec

Date de sortie: 12 février au Québec, 10 février en France

Interprètes: Logan Lerman, Brandon T. Jackson, Alexandra Daddario, Catherine Keener, Kevin McKidd, Sean Bean, Rosario Dawson, Pierce Brosnan, Steve Coogan, Uma Thurman

Réalisateur: Chris Columbus

Scénario: Craig Titley d’après le roman du même nom de Rick Riordan

Budget: n/d

Site officiel: en anglais

L’affiche américaine de The Wolfman
© Universal Pictures – Tous droits réservés

Le 12 février prochain, au Québec et en Amérique du Nord, The Wolfman, Le loup-garou, fait son grand retour au cinéma. Réalisé par Joe Johnston (l’excellent Hidalgo, Jurassic Park III), ce mélange de film d’action et de film d’horreur met en vedette Benicio Del Toro (notre critique – lire notre article sur le maquillage et la transformation de l’acteur pour ce film), Anthony Hopkins, Emily Blunt, Hugo Weaving et Art Malik. Le scénario de ce remake de The Wolf Man (film de 1941) a été écrit par Andrew Kevin Walker (Se7en) et David Self (Road to Perdition).

Toutes les photos de The Wolman figurent à la fin de ce dossier spécial. Ci-contre, à droite, vous trouverez toutes les vidéos du film. Les deux bandes-annonces en version française pour le Québec y figurent, ainsi que les deux bandes-annonces en version originale ainsi que celle diffusée le 7 février pendant le Superbowl. Puis, vous trouverez sept extraits du film ainsi qu’une featurette (mini documentaire) sur la production de ce long métrage.

Dans les années 1930 et 1940, les studios Universal créèrent un nouveau genre de film mettant en scène des monstres. C’est ainsi qu’on vit apparaître sur les écrans des personnages tels que Dracula, Frankenstein, La momie ou L’homme invisible, incarnés par des acteurs devenus légendaires depuis comme Bela Lugosi, Boris Karloff ou Claude Rains. Puis, en 1941, Lon Chaney Jr. inventa The Wolf Man premier film racontant l’histoire de cet homme maudit qui se transforme en une créature inhumaine les soirs de pleine lune.

L’histoire:
Dans cette réinvention moderne du mythe, Benicio Del Toro campe le personnage de Lawrence Talbot, propriétaire terrien qui revient chez lui après plusieurs années d’absence après la mystérieuse disparition de son frère. Retrouvant son père (Anthony Hopkins), Talbot part à la recherche de son frère et découvre un terrible secret. Car l’enfance de Lawrence Talbot a pris fin la nuit de la mort de sa mère. Après avoir fui le hameau familial de Blackmoor, il passe des années à tenter d’oublier cette tragédie. Mais quand Gwen Conliffe (Emily Blunt), la fiancée de son frère le retrouve pour lui demander de l’aider, il reprend le chemin de la demeure familiale pour se joindre aux recherches.

Il apprend alors que les villageois sont tués, les uns après les autres, par une créature brutale et que Aberline (Hugo Weaving), un inspecteur de Scotland Yard, a été dépêché sur place pour enquêter. Au fur et à mesure de ses découvertes, il entend parler d’une ancienne légende, voulant que des victimes d’une malédiction se transforment en loups-garous les soirs de pleine lune. Et maintenant, s’il veut à la fois arrêter cette chose qui hante le village et protéger la femme dont il est tombé amoureux, Talbot doit tuer la créature meurtrière. Mais ce ne sera pas si simple!

Les 10 secrets de production:
- C’est Benicio Del Toro qui a eu, le premier, l’idée de ce remake, l’acteur agissant également ici à titre de producteur. Avec son agent Rick Yorn, qui est aussi producteur de longs métrages, il a alors commencé à développer le projet. «Frankenstein, Dracula, la momie… j’ai grandi avec ces films» explique Benicio Del Toro qui précise que son tout premier souvenir cinématographique est celui de Lon Chaney, Jr. incarnant The Wolf Man. «Nous voulions aussi rendre hommage au film de Henry Hull, Werewolf of London» ajoute-t-il, précisant qu’il était indispensable d’appliquer à The Wolfman un traitement classique.
- Le réalisateur Joe Johnston a été choisi par les producteurs après que Mark Romanek se soit désisté pendant la pré-production du film. Et c’est le scénario qui a a intéressé le cinéaste avant quoi que ce soit d’autre. «Je voulais que l’histoire d’amour entre Talbot et la fiancée de son frère soit l’élément central de The Wolfman. C’est ce qui permet au public de comprendre la terrible malédiction dont Talbot est victime» souligne-t-il.
- Si le rôle du père de Lawrence Talbot n’est que très secondaire dans le long métrage de 1941, l’équipe souhaitait, dans ce remake, donner plus d’importance au personnage. Anthony Hopkins a été choisi pour incarner Sir John Talbot et donner la réplique à Benicio Del Toro. «Au début, j’étais terriblement impressionné par le fait de devoir jouer avec lui» de confier Del Toro. «Puis, petit à petit, je me suis habitué. Hopkins est un acteur génial à qui il ne faut généralement que deux prises pour tourner une scène».
- Parlant de ce qui l’a attiré dans le rôle, Anthony Hopkins explique que «les gens sont fascinés par le côté sombre de l’humanité». Pour l’acteur oscarisé, The Wolfman «possède tous ces éléments: la transformation, la résurrection et la rédemption».
- Emily Blunt ne cache pas que, ce qui lui a fait accepter le rôle de Gwen Conliffe a été «l’équipe attachée au projet». De plus, la jeune femme qu’on a vue dans Victoria, les jeunes années d’une reine (notre dossier – notre critique) de Jean-Marc Vallée, souligne qu’elle a été émue par le scénario.
- Chargé de l’enquête sur ces meurtres sanglants, l’inspecteur Aberline est incarné par Hugo Weaving. Et le personnage a d’ailleurs été créé d’après l’inspecteur Frederick George Aberline, policier mis à la tête des investigations sur les crimes de Jack l’éventreur à l’époque.
- Toutes les scènes de nuit ont été filmées au début du tournage. Pendant six semaines, l’équipe de production et les acteurs ont passé leur temps dans des tentes dressées aux abords du plateau.
- Si le film de 1941 se déroulait à cette époque, l’histoire de The Wolfman version 2010 se situe en 1890, en pleine période victorienne. Un choix dicté par le fait que les décors peuvent contribuer largement à créer une atmosphère de suspens et d’horreur.
- C’est le manoir de Chatsworth House, dont le duc et la duchesse de Devonshire sont les propriétaires, qui a servi de lieu pour la résidence des Talbot. Construite en 1500, cette demeure est habitée par Andrew Robert Buxton Cavendish, 11e duc à y résider. Les propriétaires de l’endroit ont d’ailleurs autorisé la production à modifier considérablement l’extérieur de leur maison.
- Toutes les scènes se déroulant à Blackmoor ont été tournées dans la ville de Castle Coombe, bourgade existant depuis plus de 900 ans. Mais l’équipe de production a du user de son charme pour convaincre les habitants d’accueillir le tournage. En effet, tout objet ou construction du XXIe siècle devait disparaître!

PHOTOS: © Universal Pictures Canada – Tous droits réservés – Reproduites avec autorisation
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The Wolfman – Le loup-garou au Québec

Date de sortie: 12 février au Québec, 10 février en France

Interprètes: Benicio Del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt, Hugo Weaving, Art Malik

Réalisateur: Joe Johnston

Scénario: Kevin Walker, David Self d’après le scénario de The Wolf Man (1941), écrit par Curt Siodmak

Budget: 85 millions de dollars

Site officiel: en anglais